L’Article

Antonin Lebrun, déjà intervenu en 2010 dans le cadre du Brest’ival Plein les mirettes, revient avec sa nouvelle création : La Maison des morts. Fondateur de la compagnie Les Yeux Creux, Antonin Lebrun est marionnettiste de formation. Ce spectacle, qu’il a mis en scène et dont il a conçu les marionnettes, est le quatrième spectacle de la compagnie, après Ici, ailleurs ou autre part, le Deuil des petites tortues et Tendre humanité. Juliette Belliard, également marionnettiste, Laëticia Labre, la seule « vraie » comédienne de ce spectacle, et lui se sont tous les trois rencontrés à l’Ecole supérieure des Arts de la Marionnette. Les cinq personnes concernées par ce projet sont les mêmes que pour le projet d’étude de Lebrun. Il travaille donc principalement entouré de proches, dont son frère, Clément Lebrun, en charge de la création sonore.

Bienvenue dans la maison des marionnettes aux allures de fantômes

La Maison des morts, c’est d’abord une vie ou plutôt, l’absence de vitalité dans le corps d’une femme, la femme à la natte (interprétée par Laëticia Labre), dont on voit défiler sous nos yeux les étapes, de la jeunesse à la vieillesse. Ce défilé est valable pour elle aussi. Elle ne contrôle rien dans sa vie. Elle laisse les choses se passer. Elle attend. On ne sait pas quoi mais elle attend. Il n’est pas certain qu’elle sache elle-même ce qu’elle désire, ce qu’elle veut de la vie, ce qu’elle veut d’elle-même. Elle se contente d’être la spectatrice de sa propre vie, sans jamais prendre part à l’action. Parfois, on se dit que ce n’est pas plus mal. Partagé entre l’envie de la secouer, de la réconforter, et de l’achever, le spectateur ne se reconnaît pas en elle, du moins on l’espère. Elle assiste en effet impuissante et indécise à la perte de son emploi, à l’influence trop grande de sa mère, à l’abus de son père, à la déchéance de son frère, et à la vie morose de ses voisins. Témoin de la mort, de l’abandon, du désespoir, elle traverse l’existence fantomatique de tous ces autres personnages, qui ne sont autres que des marionnettes. Des marionnettes, certes, mais souvent plus humaines que la femme à la natte. Certaines sont souriantes, d’autres seulement détestables, mais elles sont de manière générale plus vivantes que la comédienne, et donc plus proches de nous.

Centrées sur la scène, sur un socle que les marionnettistes déplacent au gré des « péripéties », marquant les différents tableaux de la pièce, toutes ces figures se donnent la réplique en tournant en rond, dans une atmosphère lourde et pesante de futilité et d’angoisse, de lassitude. La question est de savoir comment les choses vont se boutiquer, et comment la fin va se manifester. On doit donc vivre sa vie avec elle pour le découvrir, et subir toutes ces horreurs et la violence d’une vie ratée telle que la sienne. Pourtant, l’important ne se trouve pas là. On oublie la fin, on oublie les évènements, on tire juste une leçon de ce spectacle aux allures si réalistes : vivre pleinement sa propre vie. Merci donc à ces marionnettes pleines de vie et de réalisme, dont la manipulation est aussi efficace que les émotions qu’elles dégagent.

 LA RENCONTRE

Sortie de secours a rencontré Antoine Lebrun afin d’en apprendre plus sur ce spectacle surprenant.

Sortie de secours : Pourquoi avoir choisi de mettre en scène la Maison des Morts ?

Antonin Lebrun : C’est un texte qu’on a eu l’occasion de lire à l’école. On a même pu y rencontrer l’auteur, qui est très contemporain. On a beaucoup appris de lui. On l’avait vu une première fois à la Comédie Française puis on avait assisté à une lecture au plateau. J’avais été un peu déçu par certaines choses, en tant que spectateur. Il y avait des choses assez incompréhensibles, des scènes de violence qui passaient presque inaperçues. Ce sont nos mythes actuels ; le viol, l’inceste, l’assassinat… C’est un spectacle pour adultes. J’avais envie de rendre en marionnettes des personnages qui arrivent, qui apparaissent puis disparaissent, dans ce contexte.

SdS : Pourquoi ne pas avoir mis que des marionnettes ?

A.L. : Cela permettait d’avoir un décalage, de développer le jeu de ce personnage. Le spectateur s’attache plus aux marionnettes. C’est un décalage entre l’actrice et l’individu. Elle est comme entourée par des fantômes. Il y a différentes manières de faire vivre un personnage. Ainsi, il y a une connexion globale dans le tout.

(Yves Leroy précise alors que c’est une question autour de la présence. Il s’agit de faire jouer la compagnie sur une longue période, pour faire murir les choses.)

SdS : Les marionnettes sont-elles muettes ?

A.L. : On fait parler les marionnettes, on est en ce sens un peu comédiens. C’est du jeu. On s’appuie sur le visage, qui est déjà donné, pour le jeu. J’avais envie de jouer sur la surenchère visuelle, la surenchère de personnages. C’est donc un peu créé sous la forme de tableaux.

SdS : Les marionnettes sont vraiment très réalistes, c’est impressionnant. Lorsqu’on feuillette le programme de La Maison du Théâtre et qu’on tombe sur la photo qui accompagne la description de votre spectacle, on a vraiment l’impression de voir quelqu’un. La peau elle-même est incroyablement travaillée. Comment cela fonctionne ? Cela vous coûte-t-il cher ?

A.L. : Je ne peux pas vraiment vous dire puisqu’il s’agit d’un lot. Certaines coûtent plus cher que d’autres. Si on devait vraiment donner un prix moyen, on pourrait dire qu’une marionnette coûte environ trois mille euros. C’est le prix de tous ces matériaux. Pour que ça ait l’air si vrai. Quant aux pores de la peau, ils sont dus au tamponnage d’une mousse que l’on applique sur le latex, pour donner cette couleur chair.

SdS : Est-ce vous qui construisez vos marionnettes ?

A.L. : Il s’agit en fait d’un laboratoire de recherche de visages, qui se fait à plusieurs. J’ai trouvé le style pour l’ensemble des personnages et je m’occupe de la fabrication des marionnettes, mais nous sommes plusieurs à travailler sur la conception des personnages, des visuels. Je suis aidé de certains amis être autres.

SdS : Ce sont un peu comme vos enfants finalement…

A.L. : Non, j’essaie vraiment de prendre de la distance.

SdS : Comment avez-vous conçu le spectacle de marionnettes ? Disons, apparaissez-vous sur scène comme marionnettiste ou cachez-vous cet aspect là au spectateur ?

A.L. : On a opté pour la convention avec le spectateur : « on va faire comme si ». Le but est quand même néanmoins de ne pas se faire voir. Nous sommes tout en noir.

SdS : Le travail de la comédienne n’est pas non plus évident face aux marionnettes. Comment a-t-elle envisagé son rôle ?

A.L. : Elle l’a envisagé par rapport à des « monstres ». Ce sont des monstres qu’elle a autour d’elle, des monstres à visage humain. C’est la lumière qui joue beaucoup sur les expressions des marionnettes.

SdS : Les marionnettes, de même que les clowns, ça fait parfois peur aux gens. Avez-vous eu des réactions de ce genre de la part du public ?

A.L. : C’est vrai qu’elles n’ont pas d’yeux mais elles ont quand même un regard. Cela peut gêner, ou effrayer. La marionnette a une puissance. Il y a une présence qu’il n’y a pas à la télévision. Il faut profiter du pouvoir du regard, de l’identification du spectateur à la marionnette, aux personnages. C’est comme en magie, c’est le spectateur qui fait le travail.

SdS : Quels sont vos projets désormais ?

A.L. : Jouer ce spectacle le plus longtemps possible (nous avons treize dates de programmées). J’ai aussi envie de monter des petits spectacles, dans le style de Mam Goz (présentée lors du Festival plein les mirettes, c’est une mémé brestoise).

Propos recueillis par Naïg Vaineau.

A lire aussi sur Sortie de Secours.info

1. Un ballet incontournable : Le Lac des Cygnes
2. Combien de ballons pour faire voler une maison?
3. Rencontre avec Ève Ensler

D’abord un petit coup d’oeil sur ce très beau clip, en ligne depuis le 2 février :

« Bad Girls » marque la deuxième collaboration de Romain Gavras avec M.I.A. En avril 2010, il signait la réalisation de « Born Free« , une ode ultraviolente pour la protection des rouquins. Il s’est fait connaître du grand public grâce à ses multiples participations au collectif Kourtrajmé et le clip « Stress » pour le duo Justice en 2008.

Il manque évidemment quelques petits détails comme les films de Bollywood. L’auteur avoue sa profonde inculture à ce sujet. Si vous avez décelé une référence qui nous a échappé, n’hésitez à nous le faire savoir dans les commentaires. Pour l’anecdote, Romain Gavras a tourné à Ouarzazate au Maroc. L’action est sensé se dérouler en Arabie Saoudite.

Pimp my Saudi Arabia avec M.I.A.

Par Brendan Troadec

A lire aussi sur Sortie de Secours.info

1. Yelle – Pop Up
2. Eiffel – À tout moment
3. Dans la peau de Jacques Chirac de Karl Zéro & Michel Royer

L’interprétation fidèle d’un ballet russe « du répertoire »

Le Lac des Cygnes est un ballet dont la renommée n’est plus à faire. Né en Russie, d’inspiration allemande, ce ballet en quatre actes a été d’abord chorégraphié par Vladimir Begichev sur une composition musicale de Piotr Ilitch Tchaïkovski. Il a conquis, après la mort de ce dernier, l’admiration d’un public désormais mondial. Créé à Moscou en 1877, le spectacle dure 2h30 et nous narre la malédiction qui pèse sur une histoire d’amour entre un prince et une princesse transformée en cygne.

C’est donc l’histoire du jeune prince Siegfried qui, pour sa majorité, doit choisir une épouse sur ordre de sa mère, lors du grand bal organisé en son honneur. Le soir même, il se rend dans la forêt avec un ami pour chasser près du lac des cygnes. Alors qu’il s’apprête à tuer les cygnes, l’un d’entre eux se transforme en une magnifique jeune femme. C’est la princesse Odette qui, enlevée par le sorcier Rothbart, a subi un sort. Elle est condamnée à être un cygne le jour, et à ne redevenir femme que la nuit. Seul un mariage pourrait la sortir de cette condition. C’est alors le coup de foudre ; le prince veut l’épouser. Le lendemain au bal, c’est Odile, fille de Rothbart et sosie de Odette, qui se présente au bal. Siegfried, abusé par la ressemblance, lui avoue ses sentiments et se marie avec elle. C’est alors qu’il aperçoit la véritable Odette et se rend compte de son erreur. Il existe alors trois fins à cette histoire :

• Le Prince tue Rothbart et vit heureux avec Odette (cette fin n’est guère intéressante et ne correspond pas à la beauté dramatique du ballet)
• Il retourne au lac mais c’est déjà trop tard, Odette est condamnée et se suicide/se fait tuer. La première version veut alors qu’il soit malheureux à jamais et vive dans la douleur.
• La troisième met en scène le sacrifice du prince qui retrouve Odette dans la mort, au paradis, ce qui provoque la mort du sorcier.

C’est cette dernière fin qui a été choisie par l’Opéra national Tchaïkovski de Perm.

Une prestation mémorable

Dirigé par Alexey Miroshnichenko, grand chorégraphe reconnu internationalement, ce ballet est adapté en trois actes que viennent réguler deux entractes. Pour cette magnifique prestation de l’Opéra national Tchaïkovski de Perm, 55 danseurs sont présents sur scène, dont le couple de danseurs étoiles que forment Natalia Moisseeva et Sergeï Mershin, symbole de l’harmonie et de la perfection. Effectivement, dans un premier temps, c’est la perfection physique qui est à noter. Si quelques erreurs sont remarquées dans le timing et dans la réalisation de certaines parties de chorégraphies, que certains spectateurs n’ont pas manqué de souligner à leur voisin dans l’assistance, la performance n’en reste pas moins incroyable. Des corps musclés, souples, précis et gracieux, voilà ce que nous avons sous les yeux. Siegfried, qui ne danse pas tout de suite et se fait désirer, est peut être celui qui, le plus, nous en met plein les yeux. C’est avec une apparente facilité qu’il se déplace et ondule sur l’espace scénique, et donne toute sa beauté à Odette. Seule, elle est également très impressionnante. On a vraiment l’impression de voir un cygne sous les yeux, puis une jeune femme amoureuse emprisonnée sous ces traits animaux. Elle personnifie le désespoir et la torture qui est présente, originairement, dans la musique de Tchaïkovski.

Nous regrettons à ce sujet l’absence d’un orchestre symphonique. Si la musique de Tchaïkovski est nostalgique et nous va droit au cœur, au point de nous faire couler quelques larmes, par la beauté et la conscience intense du drame qui se joue là, elle eut plus d’effets jouée sous nos yeux par des hommes, plutôt que diffusée (parfois mal raccordée) en fond dans le grand théâtre.
Cela ne nous empêche pas d’être en admiration devant ce décor raffiné, bien que classique, élégant, à l’instar des costumes et de la chorégraphie.

L’innovation ne semble pas être de la partie mais ce n’est pas, après tout, ce que le spectateur vient chercher ici. Il vient surtout découvrir ou redécouvrir l’équilibre à la fois chorégraphique, dramatique, visuel et auditif, de l’acte dit « blanc », où la magie et la féérie torturée de Tchaïkovski et de Vladimir Begichev sont à leur point culminant.

Par Naïg Vaineau

A lire aussi sur Sortie de Secours.info

1. CYGNES DES TOILES: deux réalisateurs autour du lac
2. La Cantatrice Chauve d’Eugène Ionesco, mis en scène par Jean-Luc Lagarce
3. Hedda Gabler, par Thomas Ostermeier

avec Leonard DiCaprio, Armie Hammer, Judy Dench, Naomi Watts

En s’intéressant à John Edgar Hoover, Eastwood aborde un mythe de l’histoire contemporaine des Etats-Unis d’Amérique, patron du FBI pendant près d’une cinquantaine d’année, sous huit président. Un film soigné, qui couvre 50 ans d’histoire américaine, sans quasiment en dire un mot…

  L’intime

«This old little cock sucker» aurait dit, selon Eastwood, Nixon en apprenant la mort de Hoover en 1972. C’est une manière de réduire son adversaire à une dimension qui a fait fantasmé le monde à propos de Hoover, c’est-à-dire sa vie privée. C’est sous cet angle que Eastwood choisit de nous montrer ce personnage éminemment public et politique. L’intime, le sien ou celui des autres, des relations avec sa mère (jouée ici par Judy Dench) ou évidemment de ses prétendues relations homosexuelles avec le numéro 2 du Bureau : Clyde Tolson. L’intime encore, quand il écoute, avec un plaisir coupable, les ébats entre John Kennedy et Marilyn Monroe. La point de vue parait donc réducteur, mais sert à Eastwood de point d’entrée pour comprendre la totalité, la complexité d’un personnage manifestement névrosé.

L’anti Oliver Stone

En reléguant le politique à un aspect secondaire, puisque les affaires, les enquêtes ne servent finalement qu’à mettre mieux en lumière les troubles personnels de Hoover, Eastwood fait un film asbolument non-politique, esquissant les affaires, pourtant nombreuses, au rang d’anecdotes, comme l’assassinat de Kennedy, évacué d’une simple phrase adressée à Robert Kennedy : «The President has been shot». Symbole de cette belle ommission, un même plan, revenant dès que Hoover se présente au président des Etats-Unis fraîchement élu : quand il entre dans le bureau ovale, annoncé par la secrétaire, celle-ci referme la porte devant nous. A la différence d’un Oliver Stone, que le sujet aurait sans doute fasciné, c’est l’intime, le privé, le personnel qui meut Eastwood et son personnage. Intime que DiCaprio, encore une fois très bon, manifeste très bien. Cependant, la performance de Armie Hammer (qui jouait les frères Wincklevoss dans The Social Network) est sans doute plus remarquable. C’est le personnage moteur, celui par qui Hoover devient J. Edgar.

Par Gweltaz Caouissin

A lire aussi sur Sortie de Secours.info

1. Invictus de Clint Eastwood
2. Un monde fou?
3. Appaloosa de Ed Harris

Une équipe de choc.

Pierre Guillois, avant d’être le créateur de cette pièce, est auteur de spectacles, metteur en scène et comédien. Il s’investit d’ailleurs d’autant plus dans son spectacle qu’il joue dans la pièce. Pour autant, la mise en scène n’est pas de lui mais de Bernard Menez, comédien et chanteur, l’une des grandes pointures du théâtre de boulevard à la française. A eux deux, ils ont réussi à nous réunir un casting de rêve, complètement masculin : Pierre Vial qui, à l’instar de Menez, est entré à la Comédie Française, est metteur en scène, et trois fois décoré (de l’Ordre du mérite, de la Légion d’honneur et de l’Ordre des Arts et des lettres). Avec lui, pour jouer les tantes dont nous parlerons par la suite, Jean-Paul Muel, acteur français connu notamment pour avoir joué dans Papy fait de la résistance ou encore dans les Visiteurs. Nous avons aussi Olivier Martin-Salvan, dont nous avons déjà parlé dans Sortie de Secours ; comédien, mime, chanteur lyrique, etc. Luca Oldani est quant à lui moins connu mais tout aussi doué. Comédien et stripteaseur, il assure une certaine fraicheur et un côté dénudé qui sans lui aurait manqué à la pièce… Pour finir, il y a également Chris Cody, pianiste remarquable présent tout au long de la pièce.

Un spectacle aux nombreuses facettes.

Le Gros, la vache et le mainate, c’est le théâtre de l’absurde dans toute sa splendeur. C’est le rassemblement de différentes scènes de cabaret, de numéros burlesques, de stripteases… C’est enfin le théâtre de vaudeville comme on n’en voit plus beaucoup ! Il s’agit en fait d’une déconstruction, au théâtre, du théâtre, mais tout en jouant la comédie et en révélant les vrais comédiens. C’est un peu paradoxal, néanmoins l’important n’est pas là. Le mot d’ordre : s’amuser. Le spectacle se joue dans la bonne humeur, dans une ambiance comique, mais également provocatrice. C’est l’histoire d’un homme qui est enceint et vit avec Paul, le deuxième père de l’enfant, dans une maison tout à fait charmante qu’ils préparent à l’arriver du bambin. Mise à part la première et la dernière scène, cet intérieur est le seul décor de la pièce. Très fantaisiste, pas moins solide et complet, le décor se traduit par un salon, avec une télé très originale, une pseudo cuisine, une chambre d’enfant et une chambre d’amis. Un mois avant l’accouchement, le couple attend tante Schmurtz qui doit venir leur apporter son soutien pendant ce mois prénatal. Cependant, à cinq minutes près, c’est tante Chose qui fait son entrée, elle qui était censée arriver à partir de la naissance du petit. Les deux tantes ne peuvent pas s’encadrer mais vont apprendre à vivre ensemble, sur fond de gay attitude et d’humour noir.

Une création qui vaut son pesant d’or !

S’il y a quelques longueurs et que les rires ont du mal à se lancer franchement au début, la suite est très prometteuse et très drôle. Le couple des tantes est magnifique, les retournements de situations nombreux et bien pensés, et les performances sont extraordinaires. Il y a également à noter la présence très appréciable d’un mainate, dont le « jeu » est aussi impressionnant que celui des comédiens. Il se prénomme par ailleurs Connard… Avec cette création, le théâtre nous emmène là où on ne l’attendait pas et nous permet de nous lâcher. Cette mise en scène nous fait nous poser des questions, repenser les règles du théâtre et de l’humour, et prendre du recul sur certains sujets d’actualité de notre société occidentale. En allant aussi loin dans l’appréhension très osée de ces sujets, Pierre Guillois et Bernard Menez en modifient notre perception. Cela change du traitement habituel de ces thèmes, et l’on passe un très bon moment. C’est un vrai bonheur !

Par Naïg Vaineau

A lire aussi sur Sortie de Secours.info

1. LES ACTEURS DE BONNE FOI, par Jean-Pierre Vincent
2. La Cantatrice Chauve d’Eugène Ionesco, mis en scène par Jean-Luc Lagarce
3. Merlin ou la terre dévastée, par Les Possédés

Un trio de spécialistes en tout

Les connaissez-vous ? Frederic P. Miller, Agnes F. Vandome et John McBrewster forment un trio d’auteurs-chercheurs hors-pairs, qui inondent les sites de vente en ligne de leurs ouvrages pointus. Jugez donc, avec cette extrait d’une bibliographie encore trop incomplète :

• Espace Vectoriel Normé: Mathématique, Géométrie, Algèbre linéaire, David Hilbert, Stefan Banach, Analyse fonctionnelle (mathématiques), Norme (mathématiques)

• Europe Écologie: Élections européennes de 2009 en France, Daniel Cohn-Bendit, Jean-Paul Besset, Cécile Duflot, Noël Mamère, Élections régionales françaises de 2010

• Art Inuit: Groenland, Art premier, Musée du quai Branly, Inuktitut, Inuit, Culture de Dorset, Musique inuite, Inukshuk

Art, littérature, cinéma, politique, musique… Des dizaines de milliers de livres sont apparemment signés de ce trio d’auteur stakhanoviste, et imprimés à la demande. Pas un sujet, pas un domaine qui n’échappe à la sagacité de ces trois signatures, et de leur chanceux éditeur, Alphascript Publishing…. Mais une telle démesure de science et de savoir se monnaye à prix d’or : comptez autour de 40 euros par exemple pour les 124 pages de l’alléchant Gotique: Langue germanique, Goths, Langue indo-européenne, Linguistique comparée, Alphabet gotique, Phonologie du gotique, Numération gotique, Loi de Grimm. Dès le titre d’ailleurs parfois, nous pouvons juger de la qualité scientifique de la publication avec ce magnifique « Gotique »… Et la déception ne s’arrête évidemment pas là.

Après commande, tout enchanté de recevoir votre somme de connaissance sur Mike Wallace (Journalist): Journalism, Game show, Media personality, John F. Kennedy, George H. W. Bush, Ayatollah Khomeini, avec ses 256 pages qu’on imagine bien denses, vous allez déchanter en quelques secondes. Car en lieu et place de cette « academic research worldwide » promise par le site de l’éditeur, vous vous trouvez face à un dossier à peine plus soigné qu’un rapport de stage de collégien, avec cette sublime étiquette ronde et verte sur la couverture qui annonce avec fierté : « High quality content by wikipedia articles », autrement dit « Contenu de haute qualité par des articles de Wikipedia ». Le trio assure en fait simplement la direction éditoriale de cet ensemble parfois disparate d’articles autour d’un sujet. Notons que, les « livres » étant imprimés à la demande, il n’y a ni stocks ni risque de perte d’argent.

High quality content by Wikipedia articles

C’est le moment de faire un peu la tête, car vous venez de payer les yeux de celle-ci une impression d’articles Wikipedia auxquels vous auriez eu accès par le biais de ce même internet qui vous a servi à commander cette « oeuvre ». Gratuitement. Pour une description plus complète de ce qui vous attend à vous laisser tenter par un ouvrage dirigé par Frederic P. Miller, Agnes F. Vandome et John McBrewster, laissons donc la parole au principal intéressé. Voici donc une traduction partielle de la page anglaise de Wikipedia sur le sujet :

Il semble que le seul contenu de la plupart de ces livres consiste en des articles en accès libre de Wikipedia, sans aucun indice de la participation de ces trois individus à leur rédaction. Les livres ont souvent de très longs titres pleins de mots-clés. […] Les articles sont souvent pauvrement imprimés avec pour caractéristiques des caractères manquants dans les langues autres que l’anglais (ndlr : les e avec accent ne passent pas semble-t-il) et de nombreuses images de flèches là où Wikipedia proposait un lien.

Pour un fournisseur de contenu de haute qualité, il paraît étrange de dénigrer ainsi son éditeur… Sauf que bien évidemment, les nombreux contributeurs des articles de Wikipedia, encyclopédie libre et participative rappelons-le, n’ont sans doute jamais imaginé voir ainsi leur prose vendue à prix d’or.

C’est inhabituel, c’est vrai…

Sur la question de la légalité de ce type de pratique, il semble que la législation reste floue. On peut ainsi s’interroger sur les propos de Wolfgang Philipp Müller, le chef de la direction de VDM Group lorsqu’il défend sur le site d’Alphascript Publishing la légalité de ses pratiques commerciales :

« Alphascript et Fastbook publient des travaux dont la publication est […] autorisée. Ces autoproclamés travaux « copyleft » (libres de droits) sont mis sur internet à la disposition de tout un chacun. Les autorisations pour l’usage libre autorisent expressément une utilisation commerciale. Et c’est exactement ce que nous faisons. Mais c’est inhabituel, c’est vrai. »

Que dire devant tout cela ? Effectivement, la licence Creative Commons permet ce genre de dérives, même si cela est loin de l’idée originelle d’une telle licence. Si d’aventure vous vous portez acquéreur d’un de ses ouvrages dont le prix à la page est délirant par rapport au contenu, la seule question qui vous restera à poser, implorant le Ciel à genoux de vous être fait mettre bien profond à ce point par un éditeur sans scrupule, c’est la suivante : comment se fait-il qu’Amazon, Blackwell ou encore Abebooks cautionnent ce type de pratiques ?

Par David Roué

ANNEXE :

Un exemple de couverture d’un livre estampillé Alphascript Publishing :

A lire aussi sur Sortie de Secours.info

1. Scorpions : Sting in the tail

Kelsey Grammer interprète Tom Kane, l'impétueux maire de Chicago dans Boss

Pour une fois, la fiction française aura pris de vitesse sa consoeur d’outre-Atlantique. Boss est l’histoire de l’impétueux Tom Kane, maire de la Chicago. Au sommet de son pouvoir, l’édile apprend qu’il est atteint d’une maladie dégénérative, mais refuse de rendre publique la nouvelle. L’homme de pouvoir est ainsi fait que même au seuil de la mort, il s’accroche encore à son strapontin. Adaptation libre du Promeneur du Champ-de-Mars de Guédiguian (2004) ou resucée du Roi Lear de Shakespeare (1606), atlantistes et mitterrandistes resteront partagés sur les sources d’inspirations de la série.

Starz est habituellement considéré comme une chaine premium de seconde zone. Connue pour son adaptation télévisée de Spartacus particulièrement raté, elle livre pourtant avec Boss, l’une de deux séries (avec Homeland sur Showtime) de la rentrée. La chaine a d’ailleurs prévu de rééditer l’exploit en reconduisant la série pour une deuxième saison. Peut être le début d’une nouvelle ère au côté d’AMC et de Showtime puisque Starz est dirigée depuis deux ans par Chris Albrecht, ancien de chez HBO ayant supervisé les monuments Oz, the Sopranos ou the Wire. Boss fait ainsi partie des nouveaux projets mis en chantier par le nouveau patron de la chaine.

Sous le parrainage de Gus Van Sant

Comme ces illustres ainés, Boss appartient à cette «quality television»  qui fit les beaux jours d’HBO. Grâce à la grammaire rigoureuse, presque documentaire de Gus Van Sant, le premier épisode démarre sur les chapeaux de roues avec un long plan fixe sur Tom Kane découvrant comment il va lentement mourir durant les trois ans à venir. Au milieu d’un ancien abattoir abandonné, assis sur sa chaise pliante, le maire écoute crispé toutes les étapes qui marqueront la progression de la maladie. Pertes de mémoire, tremblements… La trois prochaine années de l’homme le plus puissant de l’Illinois s’annoncent terrible. Mais après avoir gravi, toutes les marches du pouvoir, il n’est plus question de redescendre. Aucune faiblesse n’étant pardonnée par les adversaires de Kane, sa maladie restera donc secrète et sa neurologue mise au secret.

Du niveau de The Wire

Boss pourrait tenir d’À la maison Blanche (the West Wing), mais c’est plutôt vers The Wire qu’il faut regarder. Noirceur, cynisme, une photographie documentaire granuleuse à souhait, un rythme lent et implacable, Boss emprunte au grand roman de Baltimore de David Simon, ses plus belles facettes. En huit épisodes de cinquante minutes, cette première saison dresse un tableau dramatique du monde politique américain. Voir Tom Kane s’accrocher au pouvoir évoque inévitablement Machiavel et ses intrigues de palais à fleurets mouchetés. Mais c’est dans l’art de montrer la manipulation de l’opinion publique, le pas de danse des politiques avec les journalistes, le détournement des masses que Boss est la plus brillante. Entouré par ses deux principaux conseillers, Tom Kane aiguille les électeurs vers son candidat au poste de gouverneur de l’État, échappe à un scandale sanitaire, divise pour mieux rassembler et se cramponne à son bureau jour après jour. La fiction n’aura jamais été aussi réelle. C’est un cours magistral d’instruction civique sur la manière de gouverner les coeurs par le sang et les chimères qu’offre Farhad Safinia, le créateur et scénariste de Boss. Est-ce un hasard si celui-ci est Iranien ? Peut-être pas…

Par Brendan Troadec

A lire aussi sur Sortie de Secours.info

1. Vitalic : la disco grise au pouvoir
2. LE GRAND JOURNAL
3. Pas de quatrième saison pour Bored to Death

LES MELONS DE LA COLERE

Avec ce quatrième numéro de leur série BD-CUL, les Requins Marteaux éditent peut-être l’une des BD les plus intéressantes de l’année. Si Bastien Vivès s’inscrit parfaitement dans la ligne d’ordre de la collection : « 50% BD, 50% CUL, 100% PLAISIR », il dépasse largement cette simple addition de pourcentages pour nous offrir de la chair, de la vraie, et une vraie gifle pénienne, tant narrative que visuelle.

Magalie est une jeune fermière à la poitrine trop opulente qui éveille la convoitise de tout les mâles des environs. Russ Meyer en aurait tiré un de ces films cartoonesque dont il a le secret, un Tex Avery sous acide avec un festival de gros plans sur des seins aux tétons éléphantesques et un montage hystérique. Vivès aborde les choses avec un humour nettement moins second degré : si degré il y a, on n’est pas loin du 69ème.

Entre Umour fluidesque et érection glaciale, il promène son trait lâché mais très précis au long de situations très glauques : ce sont des problèmes d’argent dans l’exploitation agricole familiale qui entraînent le viol de la fille aînée par des médecins : ces derniers s’avèrent en effet bien arrangeants dès qu’il s’agit d’examiner de près les mamelles démesurées de Magalie… Une Magalie dont le visage respire l’innocence, qui découvre le sexe sans comprendre les tenants et aboutissants de ces actes auxquels elle se prête « pour la science ». Une Magalie qui appliquera même ces méthodes sur son jeune frère, Petit Paul, un personnage presque émouvant dont le bout du pénis immense accomplit l’exploit de dépasser encore entre les seins pressés de sa sœur. Lorsque le père apprend la façon dont sa fille a été abusée successivement par le médecin de sa famille, par ses collègues du corps médical puis par l’ensemble des notables de la région, il voit rouge et entreprend de se venger…

Viol, inceste, misère rurale : tout cela pourrait facilement tomber dans quelque chose d’irregardable et de gratuit, à la manière d’une purge comme A Serbian film. Mais foin de tout ça, puisque, paradoxalement pour un ouvrage assumé porno, Les Melons de la colère ne s’aventure pas vraiment sur le terrain du matériel masturbatoire. Vivès réalise en fait un hommage à toute une frange du cinéma d’exploitation : sa BD est un de ces rape & revenge dont les 80′s furent si friands (Thriller : an eye for an eye, L’Ange de la vengeance…) mais traité sur un ton doux-amer assez surprenant.

Car à un scénario outré et sacrément délirant, Vivès oppose une narration tout en nuance. Les scènes de viol ne sont pas ainsi « racontées », elles sont posées presque sous forme de tableau, comme un flash qui fait l’ellipse sur les circonstances exactes ayant conduit à la situation. Chaque scène de cul ou presque est ainsi composé d’une image unique, qui reste gravé longtemps dans la tête par sa violence et sa crudité. De même l’ensemble du récit joue énormément de l’ellipse, notamment lors de la partie revenge de l’histoire, qui n’est racontée qu’a posteriori, sans que nous ne voyons jamais les insoutenables exactions paternelles sur les violeurs de sa fille.

Mais la clé de lecture des Melons de la colère se situe dans une scène à l’humour assez irrésistible où le père veut mettre des photos « preuves » des horreurs dont a été victime sa fille sur internet, sans y parvenir. Quelque part, ce récit nous raconte en effet l’intrusion d’une pornographie extrême et gonzo dans l’univers de la Petite maison dans la prairie. Un bandeau l’annonçait : « ce livre est réservé aux geeks adeptes de x-trem porn habitués à passer de nombreuses heures seuls sur internet ». Vivès, mine de rien, à travers le détournement d’un titre de Steinbeck et le pastiche de BD estampillées 70-80′s qui étaient nettement plus légères (les Elvifrance pour ne pas les nommer), nous interroge sur l’évolution du genre pornographique.

Les ruptures de ton et le rythme de la narration servent à merveille le ton unique de cette BD : à mi-chemin entre le racolage assumé que suppose la couverture, dont le mauvais goût est patent jusque dans la typographie, et quelque chose de beaucoup plus subtil et tendre qui se joue dans les regards perdus de Magalie, dans l’évaporation progressive de l’innocence de toute une famille et dans les zones d’ombre d’un dessin très beau malgré les horreurs dessinés. A découvrir, à condition de ne pas s’offusquer d’un jeu au Xième degré avec les tabous… Des tabous également malmenés, mais avec plus de 80 ans d’avance par l’objet de la deuxième partie de ce cabinet :

THE DIRTY COMICS

Sous ce titre alléchant se cache l’édition française, en deux petits volumes d’une centaine de pages chacun, d’une sélection de Tijuana Bibles. Kesako ? Les Tijuana Bibles, comme nous l’apprenait une bible sur le sujet, Tijuana Bibles de Bob Adelman (préfacé par Art Spiegelman, excusez du peu !), sont des bandes dessinées clandestines diffusées sous le manteau dans entre 1930 et 1950 aux USA. Replaçons le contexte….

Prohibition de l’alcool, code Hays au cinoche : les années 30 ne sont guère réputées pour leur permissivité aux States, et pourtant… Dans l’ombre des superhéros de comic-books, des figures bien connues du grand public s’agitent sur 8 feuilles de papier de mauvaise qualité : ce sont les fameuses Tijuana Bibles, ou eight-pagers (chaque page ne comportant qu’un dessin, une histoire est bouclée en 8 cases).

Et lorsqu’on parle pudiquement d’agitation, il faut bien comprendre copulation : les célébrités du cinéma, de la BD voire même de la vie politique de l’époque s’ébattent ainsi joyeusement dans toutes les positions possibles au gré de ces bandes fermement dessinées. La fermeté concerne d’ailleurs plus le lecteur que la qualité de réalisation : le trait du dessinateur est souvent grossier et l’histoire simpliste voire idiote. Scénaristes et dessinateurs restent bien entendu toujours anonymes… Et le tout n’a bien sûr jamais été produit dans un Mexique débauché, comme la mention de Tijuana pourrait l’indiquer, mais bien dans de bonnes villes américaines très propres sur elles.

Tout cela circulait donc sous le manteau, pour des volumes vendus entre 10 cents et 5 dollars, colportés dans des réseaux parallèles (mafieux ?) d’arrière-boutiques mal famées ou de cours de récréation… Tout cela pour que quelques privilégiés puissent assister à des scènes d’anthologie : Al Capone en « profonde » interview avec une journaliste peu farouche : Donald Duck (mal dessiné) sodomisant Mickey Mouse (encore plus mal dessiné) ; Popeye pourvu d’un goumi éléphantesque ; Winston Churchill sautant sa propre fille et lâchant cette réplique mémorable : « Fifille, t’es encore meilleure baiseuse que ta mère ». On ne trouve guère d’équivalent de ce déchaînement stupréfiant en France ; heureusement pour nous, l’indispensable Jean-Pierre Bouyxou, le premier, a entrepris de nous faire découvrir ces indispensables étendards de la contre-culture en traduisant quelques eight-pagers dans son excellente revue Fascination ; la première Tijuana Bible à fouler le sol français mettait ainsi en scène Greta Garbage/Garbo qui auditionnait de manière très poussée un jeune premier dans « La Répétition » :

Hé ! Vous ignorez que je suis la grande Garbage ? Ceci n’est pas dans le scénario !

Je sais, mais vous allez l’avoir dans la chatte !

Le principe des Tijuana Bibles est ainsi de confronter des figures majeures de l’entertainment américain, voire même de la politique internationale, à l’ultime tabou de la société puritaine : le sexe sous toutes ses formes. A l’époque, on imagine le frisson de l’interdit, la jouissance de découvrir toutes ses figures si sages et (permettez-moi l’anachronisme) « politically correct » dans des postures que la morale réprouve. De nos jours, à l’occasion de cette réédition par les éditions Allia, voir pour l’amateur en se procurant aux éditions La Martinière le plus complet Tijuana Bibles : Bandes dessinées clandestines 1930-1950 (les BD n’y sont cependant pas traduites) on goûtera à juste titre le charme désuet de ces bandes joyeusement permissives et foutrement amusantes !

Par le Professeur Pybrac

A lire aussi sur Sortie de Secours.info

1. Le cabinet des curiosités érotiques du Professeur Pybrac, n°3
2. Le Cabinet des Curiosités Erotiques du Professeur Pybrac N°1
3. Le Cabinet des curiosités érotiques du Professeur Pybrac, n°4

L’Article

La nouvelle pièce de Dan Jemmett, sous couvert d’une adaptation originale de la pièce d’Alfred Jarry, usurpe l’authenticité et la beauté du texte au profit d’une mise en avant assez grotesque et pour le coup très ubuesque, de la grossièreté du duo Père et Mère Ubu.

Une adaptation intéressante, quoique négligée…

Dan Jemmett, metteur en scène anglais, a choisi pour sa dernière création, d’adapter Ubu Enchaîné. Ce choix s’est fait sur la motivation de Jemmett à poursuivre ce qu’il avait déjà entrepris il y a plus de 10 ans : sa première mise en scène était Ubu Roi, en 1998 à Paris, avec le même « décor », ou du moins les mêmes éléments de mise en scène, la vaisselle brisée notamment. Ce projet a été réalisé dans l’idée d’une suite logique, mais sous forme de contrepoint à Ubu Roi.

Valérie Crouzet, très connue des planches et du cinéma (on la retrouve par exemple dans King Guillaume, de Pierre-François Martin Laval), campe une Mère Ubu sexy et sauvage, exubérante mais peu intéressante. Elle ne semble être là que pour relever les propos de Père Ubu et rendre son discours moins monocorde et monotone.

Père Ubu est quant à lui interprété par Eric Cantona, plus que connu comme attaquant du football et plus récemment comme comédien et acteur. Si ses performances vocales et sa présence sur scène sont indéniables, nous regrettons qu’elles ne lui servent qu’à « beugler » de façon abrutissante le texte d’Alfred Jarry, qui se perd dans ce flot continu de répliques retransmises au public, toujours sur le même ton. Peut être est-ce là la volonté de Jemmett de faire de Père Ubu un personnage qui se résume à son côté ubuesque.

Le problème, c’est que Ubu Enchaîné nous parle d’un Ubu qui décide de devenir esclave, mais continue de se comporter en dictateur. Il veut une puissance plus grande encore, mais en passant par le labyrinthe de la « soumission », de la prison et des galères. Il eût ainsi été plus judicieux de tirer profit de ce paradoxe et de jouer davantage sur le texte que sur la prestation tant attendue de Cantona. Précisons à ce sujet que Jemmett a retravaillé le texte de Jarry au cours de son adaptation, ce qui peut s’expliquer dans l’optique d’une vision plus moderne de l’histoire d’Ubu. Cependant, nous ne croyons pas qu’il faille, pour être ubuesque et tyrannique, « gueuler » à tout va et presque « surjouer ». Père Ubu prend trop de place et nous empêche d’apprécier le texte à sa juste valeur.

… mais relevée par une idée originale : le « conteur »

Giovanni Calò, comédien italien peu connu en France, interprète lui tous les autres personnages imaginés par Jarry. C’est le majordome, le conteur, le metteur en scène au sein de la pièce elle-même, en quelque sorte. En effet, grâce à divers objets éparpillés de ci de là sur la scène, des œufs, une serviette, des couverts, un vase, des fleurs, des toasts, etc., il fait vivre et mourir tout un univers de rôles. A ce sujet, attention aux premiers rangs, Giovanni Calò balance tout sur scène. Voilà une idée particulièrement originale, qui redonne du souffle à cette adaptation. Malgré quelques incompréhensions qui peuvent subsister du fait de son accent italien, celui-ci donne pourtant du cachet et un autre visage à la pièce. Constamment sur scène, c’est Calò qui fait la pluie et le beau temps, qui régule les « entrées et sorties », ou plutôt les apparitions de Père et Mère Ubu, cachés derrière un rideau rouge dans une sorte de cage, au beau milieu de l’espace scénique. On a vraiment l’impression d’être chez le conteur, avec lui, d’assister à son petit déjeuner et à ses délires. Cela créé néanmoins un autre « problème ». Finalement, il ne joue pas tant que ça avec les deux autres comédiens, et il y a comme un rythme à deux vitesses qui s’installe, et s’essouffle par quelques longueurs. Le spectateur jongle entre ces deux pôles et finit par prendre de la distance vis-à-vis de la pièce, ce qui entraîne une certaine lassitude.

On a enfin l’impression que Jemmett avait beaucoup de bonnes idées, mais qui sont mises en place de façon bancale. Il n’est pas allé au bout de l’originalité qui caractérisait pourtant sa démarche, et a trop axé sa mise en scène sur Cantona, dont tout le monde attendait la prestation, mais qui n’a finalement pas su sortir du registre animal et imposant qu’on reconnaissait déjà au « King ».

Par Naïg Vaineau

L’Entretien

Sortie de Secours a rencontré pour vous Giovanni Calò, Eric Cantona et Valérie Crouzet ; petit florilège de la conférence de presse qui a précédé le spectacle au Quartz.

Sortie de Secours. : Deux d’entre vous aviez déjà travaillé avec Dan Jemmett. Ce n’est pas votre cas, M. Cantona. Comment en êtes-vous arrivé à travailler avec lui ?

Eric Cantona : J’ai voulu travailler avec Dan Jemmett parce que j’aimais bien son travail. Mais pour le rôle de Père Ubu, c’est lui qui est venu me voir. Un soir où sa pièce venait d’être jouée dans un théâtre, j’étais moi-même sur scène dans ce même théâtre pour la représentation d’une autre pièce. Il est resté, a apprécié ma prestation et s’est dit que c’était ça qu’il voulait pour son prochain spectacle.

S.D.S. : Giovanni Calò, comment avez-vous vécu la préparation nécessaire à un tel éventail de personnages ?

Giovanni Calò : Je n’ai pas eu de préparation avant. C’était au jour le jour. C’était un bon défi. L’utilisation de beaucoup d’objets de cuisine était intéressante, ce sont de bons partenaires. Il faut s’amuser. Ca rappelle les jeux d’enfance, les jeux de poupées, de marionnettes à gants. Je suis comme un marionnettiste, mais je subis le jeu des autres personnages. Le fait d’être tout le temps présent est également une grande responsabilité.

S.D.S. : Quelle est votre démarche vis-à-vis de la langue et du texte, est-il difficile de s’approprier le texte ?

E.C. : Le personnage d’Ubu traverse le temps et on connaît le texte, on l’apprend, on se l’approprie. Pour interpréter Ubu, je me laisse surtout aller à l’instinct.

Valérie Crouzet. : On en découvre tous les jours en jouant, c’est un univers très riche.

G.C. : Quant à moi, mon texte changeait tous les jours alors…

S.D.S. : Comment vivez-vous le fait de ne pas vous regardez dans les yeux ?

V.C. : C’était parfois difficile mais on y est arrivé. On s’adresse toujours à un point devant. Mais il y a quand même une adresse (au public).

E.C. : Des fois il vaut mieux regarder devant (rires de V.C.).

G.C. : C’est l’écoute qui est importante.

S.D.S. : Le fait que vous soyez un ancien footballer change-t-il quelque chose à la perception du public ? Avez-vous eu des retours ?

E.C. : Oui, nous avons eu des retours. Après certaines représentations, quelques personnes, surtout des jeunes, venaient nous voir et nous féliciter, nous dire que c’était bien, et s’intéressaient ainsi au milieu du théâtre, ce qui a amené d’autres gens à venir. La carrière de footballer a une grande importance, puisqu’elle permet de ramener un public différent, de faire découvrir le théâtre. Cela redonne un côté populaire au théâtre. C’est une ouverture, un regard différent, qui donne envie aux jeunes de fréquenter davantage ce milieu qu’ils croient réservé à d’autres classes sociales.

Entretien réalisé par Naïg Vaineau pour Radio U et Sortie de secours.

A lire aussi sur Sortie de Secours.info

1. L’homme à tête de chou, de Jean-Claude Gallota (Quartz, 20/11/2009)
2. ENTRETIEN AUTOUR DE TÊTE DE TURC avec Pascal Elbé
3. Hedda Gabler, par Thomas Ostermeier

Si ce n’est pas déjà fait découvrez l’article de David sur Bored to Death.

[À lire sur le Hollywood Reporter]

A lire aussi sur Sortie de Secours.info

1. Bored to death, de Jonathan Ames
2. Les 10 projets de séries télé les plus alléchants de 2009-2010
3. Radios dans la guerre