Une histoire de cargaison

L'Ocean Liberty, collection des Archives de Brest

Sortie d’une Guerre mondiale qui l’a mise en cendre, Brest ne se doute pas, en 1947, qu’elle va encore vivre un épisode cauchemardesque. Un nouvel événement de destructions, de détonations et sentant la mort. A l’origine de ce drame, un cargo de type Liberty ship du nom d’Ocean liberty, naviguant sous pavillon norvégien. Ces navires, produits à la chaîne aux Etats-Unis dans les années 30, permettaient en cette époque d’après-guerre, d’approvisionner les grands ports européens.

Dans les cales est entreposé du nitrate d’ammonium, qui peut permettre la fabrication d’engin explosif. Mais ça on l’ignore encore à l’époque… Ce composé chimique, composé d’acide nitrique et d’ammoniac a plutôt fonction d’engrais. Un fertilisant qui va produire un chaos monstre.

Le 23 juillet, l’Ocean liberty fait escale à Brest. Normalement, il aurait dû être à cette date à Anvers, mais une grève générale en Belgique le détourne, le port étant bloqué.

De plus, les éléments s’acharnent, car une violente tempête frappe l’Atlantique. Le commandant du cargo, Erwein Holst, décide alors de faire route vers la Cité du Ponant. Quelques jours plus tard, il observera, impuissant, son navire en flamme qui va exploser dans un souffle infernal au large de Brest… Le 28 juillet 1947 va alors devenir une date pénible dans la mémoire des Brestois, humectant encore quelques regards, ceux des « anciens » se rappelant de douloureux souvenirs.

L’annonce des flammes

Devant l'Ocean Liberty, collection des Archives de Brest

Elle commence bien pourtant cette fameuse journée… Il fait 27 degrés à l’ombre ce jour-là. Les habitants qui se promènent sur les quais ne savent pas qu’elle va bientôt devenir bien plus qu’étouffante. Vers midi, une fumée sort de l’une des cales. Des dockers travaillant à bord ébruitent aux instances gérant le port qu’un départ de feu sur le cargo. On se rappelle alors de ce qui s’est passé aux Etats-Unis, à Texas City quelques mois auparavant. Le 16 avril 1947 précisément. Suite à l’explosion d’environ 2 300 tonnes de nitrate d’ammonium, chargés à bord du navire français SS Grandcamp. 581 personnes perdent, déjà, la vie.

Il faut agir. Un plan de sauvegarde voit le jour pour empêcher un nouveau drame. Les marins-pompiers sont sur place et essaient de refroidir la coque via des lances incendie. Mais rien n’y fait…

A 13 h 15, trois explosions sont à signaler sur le navire. Pour sauvegarder le port de commerce de tout dégât, où des tonnes de pétrole et de… nitrate d’ammonium sont stockées, les autorités décident de mener au large le navire incandescent. Mais la marée baisse et le vent est violent, ce qui rend la manœuvre bien compliquée. Deux remorqueurs, le Plougastel et le Portzic, se chargent de cette action risquée. Ils dirigent le cargo en direction du banc de Saint-Marc… où il s’échoue!

Une unique solution

Le directeur technique de la société «Les Abeilles», Yves Bignon, croit que l’Ocean Liberty doit absolument être sabordé. Il embarque dans sa vedette, accompagné de son ami François Quéré, qui va la piloter. Tous deux ont alors 30 ans. Yves Bignon va quant à lui préparer des explosifs. Mais les deux marins sont mis pour l’instant à l’écart. Un bâtiment militaire, la canonnière Goumier, est plutôt choisie par la hiérarchie portuaire pour effectuer la besogne. Elle aussi risque d’être prise dans l’écueil des bancs de Saint-Marc… Les tirs ne font pas trembler la carcasse du cargo, bien décidé à rester à la surface. On décide alors de viser les lignes de flottaison… Sans aucun changement.

Yves Bignon a enfin le droit d’opérer. Il fixe de la dynamite sur le cargo, mais cela n’a pas les effets escomptés. Elle explose vers l’extérieur, n’endommageant nullement la coque. Les deux compères, volontaires sur le coup, en mettent une deuxième… Mais celle-ci reste inactive! Il est à ce moment 17 h 15. La situation devient vraiment dangereuse pour les deux hommes. Pourtant, ils n’abdiquent pas. Ils reviennent à la charge… Leur dernière.

Une vague de terreur

Océan Liberty en feu, collection des Archives de Brest, auteur : Van de la Fosse-David.

Quelques instants après, c’est l’explosion! Une fumée monte vers le ciel à plus de 2 500 mètres! Un immense champignon se forme ensuite pour atteindre les 4 000 mètres. Tout le monde a à l’esprit le démon atomique. Des milliers de débris, dont certains pèsent plusieurs tonnes, sont projetés et tombent sur la ville, tels des météores. Brest est de nouveau bombardée, cette fois en temps de paix. Les fenêtres éclatent, les toits se perforent, les bâtiments s’abbatent. Une vague d’environ 7 mètres se propulse sur le rivage… Les baigneurs ont tout juste le temps de déguerpir et de se sauver.

Sur les flots, même constat et même douleur… Presque instantanément Yves Bignon et François Quéré meurent en héros. Le commandant de l’Ocean liberty, alors accompagné des autorités portuaires sur un navire à proximité, est transpercé par un projectile qui s’avère fatal.

Le drame fait 26 morts et d’énormes dégâts. On dénombre également une centaine de blessés graves. 100 familles, habitant alors dans les fameuses « baraques » d’après-guerre, doivent être relogées. Le montant des dommages est chiffré à un milliard de francs (de l’époque). Le pays, quand il reçoit la nouvelle, est en émoi… Entre les bombardements, l’incendie de l’abri Sadi Carnot et maintenant cette explosion destructrice entendue à des dizaines de kilomètres… Les Brestois sont de nouveau touchés. Et certains le sont même toujours, dans leur mémoire.

Par Kevin Bernard

Mes remerciements à Yffic Dornic, le « maire du village d’en bas » et aux Archives municipales de Brest.

Lien : vidéo de la catastrophe sur ina.fr

Travail de mémoire

Yffic Dornic, a travaillé sur le port de commerce en tant que docker de 1972 à sa retraite, en 1996. Amoureux de ses quais, cet homme s’est converti en historien. Il a cherché et recueilli des témoignages sur la catastrophe. « On voit que ceux qui ont vécu cela, même dans leur petite enfance, sont meurtris. Des souvenirs leur revienne », déclare-t-il.

Il a également travaillé pour la reconnaissance d’Yves Bignon et de François Quéré, deux marins qui ont tout tenté. Le prix de leur courage a été la mort. Le premier avait donné son nom à une rue de Brest. Mais on ne savait pas vraiment pourquoi au juste… L’année dernière, Yffic Dornic, suite à ses recherches, a fait noter sur la plaque sa présence lors de l’explosion. Quant au second, aucune rue ne porte encore sa signature. Mais Yffic Dornic espère y remédier.

Il veut également que la Ville installe une stèle… En hommage des victimes, décédées ou grièvement blessées. Elle sera peut-être posée pour les fêtes maritimes de Brest 2012.

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Une pièce qui ne part de rien

Bérénice est une tragédie de Racine écrite en cinq actes et en vers. Jouée pour la première fois en 1670, elle fait écho à la monarchie absolue en France, et aux obligations d’un jeune souverain (Louis XIV a trente deux ans). Il y est question de Titus qui, à la mort de son père, devient chef de Rome. Il aime Bérénice, mais pour accomplir sa tâche d’empereur, il décide de renoncer à elle. C’est le devoir, l’obligation, face à l’amour.

Il s’agissait pour Racine de « faire quelque chose à partir de rien », de partir d’un sujet qu’on peut raconter en une phrase. Ici, tout tourne autour du fait que Titus annonce sa rupture à Bérénice. Il ne s’agit que de cela.

Steeve Brudey, fondateur du théâtre de la Coche, est à la fois metteur en scène, comédien, chanteur lyrique et écrivain. Connu pour avoir mis en scène La grossesse de Mme Dieu, ou pour son chant dans Le Roi lion, c’est à la mise en scène qu’il a décidé de se consacrer, en relevant le défi d’une pièce telle que Bérénice. Puisqu’il ne s’y passe rien à proprement parler, le travail du metteur en scène est d’autant plus important. C’est lui qui va donner du relief à cette pièce magnifique, et va faire d’elle une tragédie aussi puissante que les autres. Pourquoi ne le serait-elle pas de prime abord ? Parce qu’elle n’est le témoin ni du sang, ni de la violence, ni de la mythologie.

Un décor sous le signe de la photographie et de la lumière

Grâce à des photos déjà (cf. interview), il vide la scène des babioles habituelles, pour l’habiller habilement. Collées sur de très grands « panneaux », elles font office de murs et permettent un certain découpage de la scène. Elles viennent structurer l’espace scénique, en indiquant des pièces et des surfaces de jeu. Légèrement de biais, elles donnent une dynamique et une dimension plus réelle au décor. Effectivement, dans un premier temps, elles représentent les comédiens eux-mêmes. « Titus » à droite, sûr de lui, charismatique et imposant, sexy même, est d’abord caché du spectateur par un drap noir qui sert lui aussi le jeu des comédiens. Il dévoile et voile Titus, tout comme celui-ci nous apparaît et disparaît, laissant place aux autres personnages. C’est à croire que l’accent doit particulièrement être mis sur lui, puisqu’il est le seul pour lequel ce système de voilement est adopté. En somme, c’est lui qui décide. C’est sa décision qui importe. Les autres photos sont mises à nu dès le départ. A gauche, sur le pan de « mur » le plus grand, ce sont deux photos de Bérénice, qui nous montrent le tourment du personnage. La tête dans les mains, ou le doigt pointé, inquisiteur, elles indiquent une force et un désarroi.

La dernière photo, davantage en arrière plan, représente Antiochus. En retrait, elle indique que c’est un personnage secondaire. Le mouvement qu’elle dégage et le fait qu’il soit un peu penché impliquent l’incertitude mais aussi la colère, la souffrance ; souffrance d’aimer Bérénice en secret et de subir les ordres des uns et des autres, sans jamais pouvoir être libre de faire ou de ressentir ce qu’il veut.

Ces photos sont par ailleurs mises en valeur par un éclairage particulièrement adapté, qui leur donne une fois encore cette sensation de réalité. Les comédiens s’appuient sur ces photos comme sur des miroirs. Elles sont le reflet de leurs aspirations. C’est en fait la lumière, parfois claire, douce, parfois plus agressive et violente, qui influence le spectateur dans son ressenti. Elle nous plonge parfois dans l’obscurité, mais une obscurité partielle, quadrillée pour être exact. Il y a parfois littéralement un quadrillage sur scène, comme si on avait placé un morceau de grillage sur le spot de lumière. Un morceau inégal, avec des trous et des fils plus larges que d’autres. On a presque l’impression d’être un voyeur caché dans un jardin, derrière une grille qui nous laisse entrevoir ce qui se passe à l’intérieur. Une sorte de voyeurisme sur un épisode particulier de la vie de Bérénice.

Une mise en scène travaillée,

qui redonne ses lettres de noblesse à Bérénice

Steeve Brudey a donc choisi de faire le maximum pour cette pièce souvent délaissée, du fait de l’inaction qui la caractérise. La mise en scène ne se contente ainsi pas de ne ravir que nos yeux. Elle est également un délice pour les oreilles. En plus de quelques musiques, peu et suffisamment nombreuses, qui sont elles aussi en accord parfait avec ce qui se joue devant nous, les comédiens chantent de temps en temps, ou plutôt fredonnent. C’est surtout Bérénice qui le fait, pour annoncer son arrivée, pour sublimer son apparition. Il y a également une bande son préenregistrée qui est diffusée à certains moments. Des bruits, des sons pris lors de répétitions, des commentaires du metteur en scène… ; ils viennent nous donner de la distance face aux personnages et à « l’intrigue », ce qui est parfois dommage. On est alors un peu en décalage avec cette dernière, ce qui néanmoins nous laisse le loisir de constater avec quelle passion les comédiens prononcent et vivent leur texte. Nous avons sous les yeux un jeu calculé au millimètre près, avec une précision extrême.

Cette pièce est parfaitement construite, dans la mesure donc, mais aussi dans l’incommensurable. En effet, cette tension entre le devoir et l’amour est quelque chose qu’on n’arrive pas à mesurer ; on n’arrive pas à comprendre ce qui se passe dans leur cœur : quelle est la décision, pourquoi elle va finir par accepter ? Et malgré cela, Brudey en fait finalement quelque chose de tout de même très mesuré. On a l’impression d’avoir une recette, où chaque chose, chaque élément du décor, chaque lumière, chaque musique, chaque gestuelle, est un ingrédient justement dosé ; et cela nous donne un excellent plat.

Par Naïg Vaineau

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Entretien avec Steve Brudey

Sortie de secours : Bérénice, pièce de Racine, pièce du répertoire : pourquoi avoir choisi de la mettre en scène, plus qu’une autre ?

Steve Brudey. : Il y a plein… on va dire deux aspects. Il y en a un, un peu affectif, parce que c’est une des premières scènes de Racine que j’ai lue, et voilà. La beauté des vers est d’une telle évidence que du coup, évidemment qu’on a envie de… On est séduit. Quand on aime le mot, la langue française, évidemment, on pense à Bérénice. Mais si on doit en choisir quelques unes, ce n’est pas forcément Bérénice qui l’emporte pour moi. Ce serait plutôt Andromaque ; mon cœur irait plus naturellement vers la fureur, la violence d’Andromaque.

Pourquoi mettre en scène Bérénice ? C’est parce qu’il y a un défi, déjà pour Racine, un défi d’écriture. Défi par rapport à son temps et son positionnement par rapport au théâtre de son époque, à Corneille évidemment, qui effectivement nous écrivait des tragédies avec force, péripéties, des thèmes romains assez forts ou des thèmes mythologiques assez grandioses, voilà. Il se passe plein de choses, il y a le sang qu’il faut, à souhait, les suicides qu’il faut, les meurtres, etc.

Dans Bérénice, Racine dit : je prends une histoire où il n’y a rien de tout ça. Je ne multiplie pas les péripéties, je prends un moment de l’histoire où il ne s’agit que, pour un empereur, d’annoncer à la femme, à la reine qu’il est censé épouser, qu’il ne peut pas l’épouser parce que Rome interdit à un empereur d’épouser une reine. Ce n’est que ça, et il ne se passe rien d’autre que ça, que le fait d’attendre, pour Bérénice, enfin, de notre point de vue… A quel moment il va lui dire et au moment où il lui a dit, à quel moment il va finir par l’accepter. Ce n’est que ça.

SdS : Justement, puisqu’il s’agit de faire quelque chose à partir de rien, comment un metteur en scène se positionne-t-il face à cette contrainte ?

S.B. : Mais justement, parce que, comme on dit, c’est comme le fameux ex nihilo : Dieu a créé le monde à partir de rien, on a vu ce que ça a donné. Cela a quand même donné tout ce qu’on connaît aussi bien de beau que de laid, que de catastrophique, que de sublime, donc c’est exactement la même chose. A partir de rien il a réussi à écrire quelque chose mais qui n’est pas forcément évident à la lecture.

On a effectivement l’impression d’un ennui, et effectivement on associe généralement ce rien, cette simplicité d’action dans Bérénice, à de l’ennui. Et c’est pas vrai, c’est à dire que à mon sens, c’est tout l’inverse. Il faut trouver dans le texte, les endroits où ça se passe. A quel endroit tout d’un coup, il y a quelque chose de… grinçant ; à quel endroit ça fait mal pour Bérénice, à quel moment c’est beau, à quel moment c’est amoureux. Voilà, c’est vrai que c’est subtil mais ça existe, alors qu’il n’y a pas de grands évènements.

SdS : Donc la base c’est quand même Bérénice ? Vous la prenez comme personnage central et c’est à partir d’elle que vous…

S.B. : Bien sûr, oui, c’est à dire que son parcours à elle est très complexe. Parce qu’effectivement on n’est pas d’emblée dans la tragédie selon moi. Bérénice ne joue pas – c’est ce que je disais à Charlotte comme indication, pour elle, son travail de comédienne, je dis, tu joues tout sauf une tragédie au début. Tu es dans Molière si tu veux, c’est à dire que, c’est une jeune femme. Parce que déjà ça aussi c’était un parti pris pour moi de ne pas avoir une Bérénice âgée.

Normalement la Bérénice historique et les Bérénice d’ailleurs en général qu’on joue, elles ont généralement au moins trente cinq/quarante ans, etc. Moi j’ai voulu une Bérénice, en tout cas qui a l’air jeune – Charlotte n’est pas vieille mais disons qu’elle fait encore plus jeune que son âge, elle est blonde, elle fait très jeune ; elle n’est pourtant pas si jeune que ça non plus… Enfin elle n’a pas vingt deux ans je veux dire, elle n’en a pas vingt quatre mais bon, elle peut faire ça. Donc elle a sa jeunesse, la voix aigüe, la frivolité, la fraîcheur, comme une espèce d’Agnès quasiment, de Molière, et c’est très ça. Sauf qu’elle sombre progressivement dans la tragédie.

La tragédie c’est le monde de Rome, ce n’est pas son monde. Elle, elle vient de l’Orient, c’est une fille qui pense qu’elle va épouser un homme, c’est tout. Donc elle est dans la joie au début. Elle est dans la joie. Elle sombre progressivement, et pas par sa propre volonté, c’est parce que Titus… C’est pour ça que pour moi c’est Bérénice ou la tragédie de Titus. C’est Titus qui veut jouer une tragédie, c’est lui qui en fait une tragédie de rien, c’est rien ! C’est lui qui crée le problème.

On en connaît tous, des séparations amoureuses, c’est difficile, sauf que ce qui est tragique, c’est… Il faut imaginer que Titus, si on devait donner un équivalent, c’est comme le président des Etats-Unis, c’est l’empereur de Rome. Et ben imaginez tout d’un coup Obama qui doit répudier, je sais pas pour quoi, on imagine, tout d’un coup, en pleine affaire, de gérer l’Afghanistan, il dit tout d’un coup, voilà, je n’ai à gérer que ça. C’est grave ! Ca veut dire qu’on est dans les sphères de l’Etat et tout d’un coup un homme, empereur, n’arrive plus à gérer autre chose que ça. Il vient de perdre son père, huit jours avant, il ne s’attendait pas à avoir le pouvoir, il l’a, qu’en fait-il ? Le processus d’emperisation, comme je l’appelle, d’empereurisation, est en train de se produire en lui donc la décision est irrévocable. Elle est dure à accepter, il n’arrive pas à le dire mais finalement, quand on voit la pièce on se rend compte qu’il ne change jamais d’avis !

Il a la tentation de changer, et c’est ça ce qui est fort, ce que Racine a trouvé comme subterfuge, génial, c’est qu’il fait tentation de tout. Disons, on n’a pas les morts, on n’a pas les changements de positionnement comme Hermione dans Andromaque, qui n’arrête pas de changer d’avis, mais on a la tentation des suicides, on a la tentation des meurtres, on a la tentation de changer d’avis, mais finalement tout le monde reste, Titus reste ferme jusqu’au bout. Il dit, effectivement, c’est à dire ce qui se passe à la fin, est exactement ce qui est prévu au début. Bérénice s’en va, voilà. Il ne se passe rien d’autre.

SdS : Revenons à la mise en scène qui est, sinon originale, je ne sais pas si on peut parler d’originalité, au moins très travaillée. On peut parler de millimètre près. Il y a tout un travail sur la musique – précisons que vous êtes d’ailleurs chanteur lyrique, entre autres choses. Vous vous qualifiez vous-même dans un entretien que vous aviez donné en 2006, comme comédien, chanteur, metteur en scène, un petit peu philosophe. Y a-t-il à ce sujet une philosophie retranscrite dans la mise en scène ?

S.B. : Ah oui c’est vrai. Il y a quelque chose à plein de niveaux. C’est vrai que le côté philosophique… Ce qui est très beau ce sont les parallèles. L’histoire se passe, c’est Titus. Titus empereur qui a été élevé à la cour de Néron. Et qui était précepteur de Néron ? C’est Sénèque. Sénèque qui a écrit La Brièveté de la vie, quelque chose qui m’obsède. Et surtout l’ironie de l’histoire c’est que Racine, connaissant parfaitement son histoire évidemment romaine, fait des jeux de mots, fait des blagues en gros. Il fait dire en gros à Bérénice et à Titus : « comment on va continuer à vivre toute notre vie en continuant à s’aimer alors qu’on ne peut pas vivre ensemble ? »

Ce qui est absolument dingue, puisqu’on sait qu’après cette histoire Titus ne vivra que deux ans. Il meurt. Donc c’est le côté, oui l’éternité, on vivra trente ans après, il y a ce côté, et Titus le dit tout le temps… et ça c’est philosophique. Par rapport à la notion de gouvernement de l’Etat, par rapport à la moralité, évidemment allié à quelque chose qui est l’amour… Mais ce que nous dit Racine c’est qu’à des moments, il y a des conditions des choses qui doivent l’emporter sur les autres. Et là c’est la gloire parce qu’on sait très bien que… Et le présupposé c’est, est-ce que Bérénice va accepter, va continuer à aimer un homme qu’elle a contribué à porter aux nues ? On peut penser à des équivalents aujourd’hui. Comment Anne Sinclair peut-elle continuer à aimer un homme qu’elle a voulu porter aux nues, ou peut être pas, et tout d’un coup qui retombe. La roue de la fortune s’est renversée d’un seul coup.

Donc c’est ce que dit Titus à Bérénice. Vas-tu pouvoir aimer un homme qui est empereur et qui tout d’un coup renoncerait à l’empire, et irait traîner sa savate dans le désert, en Palestine ? Voilà, donc, c’est à dire en aillant laissé un chaos à Rome. Tout d’un coup un homme qui démissionnerait ou je ne sais pas quoi, qui abdiquerait, ce serait un coup d’état. Ce serait énorme. Donc est-ce qu’on laisse le chaos pour l’amour ? Sans doute, il y en a qui disent que l’amour doit l’emporter, après chacun son jugement. Qu’est-ce qui l’emporte, le devoir ou l’amour ? Et là en l’occurrence, c’est le devoir. Qu’il appelle la gloire, Racine.

SdS : A propos de la musique, nous notons qu’elle est très présente. Les comédiens eux-mêmes fredonnent, chantent, par moment, sur scène. La musique vient également appuyer parfois, quand il faut (c’est très bien dosé), les répliques des personnages. Mais il y a également des photographies, présentes sur scène, d’Olivier Ciappa, qui viennent donner du corps à ce qui se passe. Il a vraiment su capter les comédiens, qui sont eux mêmes les modèles des photos.

S.B. : C’est vrai. Oui, au moment des répétitions, à Morlaix, fin juillet 2011. Les photos ont été prises durant la première session de répétitions. Pourquoi d’abord c’est Olivier Ciappa, c’est que quand j’étais sur un spectacle à Paris, on s’est rencontré comme ça. Je jouais au Rond Point à ce moment là, et il m’avait montré une série de photos qu’il prend, de gens dans le métro à Paris, les gens lambda, c’est pas du tout des gens qui posent. Et ce qu’on en voit est absolument sublime. On a l’impression que tout le monde devient des stars. C’est à dire que tout le monde raconte quelque chose, alors qu’ils sont justes en train d’attendre dans le métro. Il faut le faire !

Il donne une beauté, exactement la définition de l’art pour moi. C’est à dire, comme dirait Kant, d’ailleurs c’est encore la philosophie en moi qui parle, il définit l’art comme ça. Il dit que c’est une belle représentation d’une chose, et non pas la représentation d’une belle chose. Donc c’est exactement ça, Racine, et c’est ça que j’ai voulu pour les photos, c’est ça. Et donc, du coup, il m’a dit… Moi je lui ai fait une proposition : « écoute je veux, pendant la représentation, que les comédiens aient un rapport à leur propre image ». Et il me dit « écoute, si tu veux ça, et pour capter leur émotion pure, oui mais, s’ils sont habillés, c’est compliqué ». Donc c’est pour ça qu’on a le simple appareil pour ne pas donner de connotation historique, sociale, etc. C’est pourquoi il y a les photos.

SdS : Votre assistante à la mise en scène, Ida Hertu, a laissé sous entendre que vous envisageriez de faire une trilogie…

S.B. : Oui, le désir est là depuis très longtemps de faire, de proposer quelque chose d’assez… Alors c’est pas original quand on l’explique comme ça, mais là où ça va être original… C’est à dire de monter trois pièces de Racine et d’offrir, certains jours, les trois d’affilé. Mais pas les trois d’affilé en ayant : voilà on fait une heure et demi, on joue Bérénice, on arrête. On fait un entracte. On joue Phèdre, on arrête, on joue Andromaque. Non.

SdS : Les entractes seraient pendant la pièce ?

S.B. : Exactement. Bérénice finirait, et enchaînerait directement à vue, avec Phèdre. C’est à dire que ce serait les mêmes acteurs qui deviendraient à vue des acteurs de l’autre pièce. Voilà en gros ce qui est prévu sauf qu’il faut de la coproduction ! Il faut avoir les moyens voilà.

SdS : Y a-t-il un lien à tisser avec Wajdi Mouawad, qui a fait lui même la trilogie Des femmes ?

S.B. : C’est un calva habituel, la trilogie, c’est un truc… Effectivement, la plus récente qu’on a en tête c’est celle de Wajdi Mouawad.

SdS : Vous écrivez aussi, et vous avez apporté une contribution à la pièce. Que pouvez-vous nous dire du prologue ? Disons plutôt que vous reprenez le texte latin, mais vous en faites quelque chose, avec un jeu un peu humoristique au début. D’où vous est venue cette idée là ?

S.B. : Ben en fait, ça m’est venu, alors peut être que c’est « là d’où je viens » ; j’aime le théâtre shakespearien beaucoup, et Roméo et Juliette, en l’occurrence, mais pas que. Tout ce théâtre là, même le théâtre antique, où on a la convention qu’on vient au théâtre, c’est à dire qu’on vient voir des gens qui nous disent, « on va vous raconter l’histoire », voilà. « Je viens vous raconter », « il était une fois ». Et le prologue est là pour ça. Comme la fameuse, je ne sais plus si c’est un prologue ou un cœur du début de Roméo et Juliette, ça ne commence pas immédiatement dans la pièce. On a un texte qui nous dit : « dans la belle Vérone, où se situe notre scène… ».

Voilà, on a quelque chose qui nous dit, vous êtes au théâtre, et on va vous raconter une histoire horrible. C’est vraiment un procédé de conte. Moi je suis très attaché, effectivement, à tout ce qui est l’Iliade. L’Iliade, l’Odyssée, ça commence comme ça. On a une voix qui nous dit « voilà, on va vous raconter », ou le fameux début de l’Enéide, où on a le poète qui dit « je chante », « je vais vous chanter quelque chose », « je vais vous raconter », et donc c’est ça à la base, le prologue. Mais je voulais commencer dans l’humour, et donc j’ai, pour moi, c’est, je voulais faire un peu comme le Ubu, je leur ai dit « écoutez, il faut qu’on s’amuse, il faut que le prologue, les deux là, on les prenne un peu pour des petits saltimbanques, qui s’amusent un peu ». Ils ont découvert Racine, ils ont l’habitude de jouer des farces, et tout d’un coup il y en a une qui tombe, une des comédiennes tombe sur Racine. « Oh la la, j’ai jamais joué ça, je vais m’amuser à le faire ».

Quelques questions à Charlotte Heilmann :

SdS : Charlotte Heilmann, vous interprétez Bérénice, qui est donc le rôle phare de la pièce éponyme. Comment peut-on habiter un personnage aussi complexe, qui part d’abord de la joie, pour arriver dans une souffrance indescriptible, pour enfin accepter son « destin » ? Comment se lance-t-on dans la préparation d’un tel rôle ?

Charlotte Heilmann : Ben avec beaucoup de travail. Et une grande compréhension du texte. Il faut vraiment creuser le vers et essayer de vraiment bien comprendre chaque alexandrin, pour voir ou l’auteur nous amène, pour bien comprendre le parcours du personnage. Donc beaucoup de travail, et beaucoup d’écoute face au metteur en scène qui sait vraiment là où il veut aller. Et notre rôle de comédien c’est vraiment d’essayer d’être le plus malléable et de réussir à faire ce que demande le metteur en scène. Ensuite, c’est une cuisine personnelle, voilà !

SdS : On le sent d’ailleurs, que vous maîtrisez très bien le texte, puisque toutes les diérèses sont très bien prononcées, contrairement à d’autres interprétations classiques où on en vient à tailler dans le texte au profit de la violence, du jeu…

C.H. : Il faut respecter les douze pieds.

SdS : Il y a deux photos de vous sur la scène, magnifiques, sur lesquelles vous êtes enceinte…

C.H. : De sept mois. Ce sont des photos qui ont été prises alors que nous étions en répétition au mois de juin.

SdS : Comment est-ce qu’on peut jouer comme ça sur scène en étant enceinte de sept mois ? Vous bougez beaucoup…

C.H. : Mais on peut tout faire enceinte quand tout se passe bien, qu’on est en forme et que la grossesse se passe bien ; on peut faire plein de choses. Et oui j’ai sauté, j’ai bougé, mais beaucoup moins que ce que je fais aujourd’hui quand même. Au moment où j’étais enceinte, quand on était en répétition, on travaillait surtout sur le texte. Donc on était texte en mains, sur le plateau, et on n’était pas du tout en travail de mise en espace sur le banc, tout ça je ne l’ai pas fait enceinte. La première représentation, j’avais accouché depuis un mois.

SdS : Vous avez donc continué quasiment jusqu’au terme alors.

C.H. : Jusqu’aux sept mois.

SdS : Bérénice a-t-elle évolué en même temps que votre grossesse ?

C.H. : C’était la fin de ma grossesse donc… oui. C’est vrai que le texte de Bérénice c’est un peu un bébé qui grandit un peu avec moi. Je commence à mieux comprendre, de plus en plus, le texte. Oui, ça continue à évoluer encore.

SdS : Comment vous sentez-vous maintenant, à la veille de trois représentations ici sur Brest ?

C.H. : Et bien beaucoup de trac, parce qu’on joue dans notre ville, on est tous brestois. A part Stéphane, qui joue Titus, qui est parisien, on est tous brestois. Et puis il y a quand même Alain qui est quimpérois. On connaît beaucoup de monde ici donc on joue à la maison et c’est toujours beaucoup de stress quand on joue devant les gens qu’on connaît. Il y aura beaucoup de monde je pense, et en même temps c’est beaucoup d’excitation et puis beaucoup de joie, d’enfin jouer… et puis surtout jouer dans un lieu aussi magnifique que le Stella. Il faut venir !

Propos recueillis par Naïg Vaineau.

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Premier film du prometteur Eli Craig, Tucker et Dale fightent le mal s’offre un passage en salle inespéré. Amateurs de pastiches horrifiques délirants, c’est le moment de se précipiter dans les salles obscures : en plus d’offrir une excellente prestation, le duo d’acteurs Tyler Labine et Alan Tudyck nous entraîne dans un réjouissant dynamitage des mécanismes du survival, sous-genre très codifié du film d’horreur où de braves citadins sont pourchassés par des campagnards dégénérés.

Tucker et Dale, c’est des mecs comme vous et moi. Enfin, je sais pas pour vous… Mais pour moi comme pour nos deux héros, l’horizon des évènements réside dans la perspective réjouissante d’une bonne bière au frais sur un lac, la nuit, avec une canne à pêche taquinant la poiscaille.

Seulement voilà, dans la vie comme au cinéma, y’aura toujours une nénette gaulée comme une cafetière pour venir plonger à moitié nue dans l’eau frétillante du lac. Et un Dale qui se voit obligé de plonger pour la repêcher, pendant que les amis étudiants de la gonzesse s’enfuient à toutes jambes (et en caleçon) (mouillé) (par le bain de minuit qu’ils prenaient)…

On a vot’copine ! Mais enfin pourquoi vous partez ?

 Ben ouais, parfois les choses partent mal, surtout quand on a trop maté Délivrance ou Massacre à la tronçonneuse avant de partir camper entre potes de fac. Alors bien sûr, dès les premiers plans du film où ils se font dépasser par la camionnette de deux bouseux qui les z’yeutent bizaremment, les teenagers flippe un peu. Et quand l’un des bouseux, en mode gros nounours avec une faux à la main, s’avise un tant soit peu d’essayer de lier contact avec la gent féminine, toute la bande fait dans son froc. Grave.

Et quand la meute d’étudiants décide de prendre d’assaut la cabane des ploucs pour :

• A) sauver leur amie pourtant nullement en danger chez les Tucker et Dale susnommés (après que ces derniers l’aient recueillis suite à sa chute nocturne dans le lac, vous suivez? )
• B) venger leurs collègues qui tombent comme des mouches au fur et à mesure d’accidents aussi gore que drôles causés par leur propre maladresse,

on réalise une chose : on est devant le digne successeur US et redneck de Shaun of the dead.

Y-z-ont commencé à se suicider un peu partout !

Pour un premier film, on peut en effet dire que le réalisateur Eli Craig maîtrise son propos de bout en bout : tourner un film deux en un. D’un côté, on assiste en effet à un pur survival, où de jeunes étudiants sont successivement massacrés par deux rednecks vivants dans une cabane macabre dans la forêt. De l’autre, c’est l’hallu totale chez deux amis un peu ploucs venus passer leurs vacances dans la maison de campagne que l’un d’eux vient d’acheter, et qui voient des étudiants tarés venir s’embrocher littéralement sur tous les obstacles qu’offre mère nature.

Le film fonctionne donc pendant plus d’une heure sur ce quiproquo dans son écriture et sa mise en scène : dialogues lourdement significatifs, réalisation oppressante et musique angoissante lorsqu’on est du point de vue étudiant VS second degré, réalisation pépère et musique country lorsqu’on est chez Tucker et Dale. Un troisième film se créé alors au fil des rencontres délirantes entre les deux mondes, qui joue sur le décalage de plus en plus forcené entre deux parties incapables de se mettre d’accord sur les tenants et aboutissants de tout ce bordel. Un film vraiment hilarant, puisque tous les éléments deviennent d’un ridicule consommé et maîtrisé, que ce soit le pétage de plomb du leader des étudiants qui veut à tout prix dessouder du bouseux ou la romance gentiment neuneu entre Dale et la jolie blonde qu’il a recueillie.

Et si on s’asseyait autour d’un thé pour discuter ?

Le final enfonce gentiment le clou d’une analyse assez fine du rapport à l’autre, lorsque les deux personnages antagonistes se mettent littéralement à table pour discuter de leur ressenti de la situation. la civilisation n’est le plus souvent pas là où les apparences la désigne…

Véritable plaidoyer en faveur des ploucs et charge virulente contre les ados décérébrés de films d’horreur à deux balles, Tucker et Dale nous invitent à reconsidérer toute une filmographie qui vilipende injustement de gentils arriérés qu’on est venu déranger sur leur propres terres au mépris de tout savoir vivre. Réhabilitons Leatherface, Pluton et les frères Griner : tout cela n’est au fond qu’une question de point de vue…

 Par David Roué

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L’Article

Antonin Lebrun, déjà intervenu en 2010 dans le cadre du Brest’ival Plein les mirettes, revient avec sa nouvelle création : La Maison des morts. Fondateur de la compagnie Les Yeux Creux, Antonin Lebrun est marionnettiste de formation. Ce spectacle, qu’il a mis en scène et dont il a conçu les marionnettes, est le quatrième spectacle de la compagnie, après Ici, ailleurs ou autre part, le Deuil des petites tortues et Tendre humanité. Juliette Belliard, également marionnettiste, Laëticia Labre, la seule « vraie » comédienne de ce spectacle, et lui se sont tous les trois rencontrés à l’Ecole supérieure des Arts de la Marionnette. Les cinq personnes concernées par ce projet sont les mêmes que pour le projet d’étude de Lebrun. Il travaille donc principalement entouré de proches, dont son frère, Clément Lebrun, en charge de la création sonore.

Bienvenue dans la maison des marionnettes aux allures de fantômes

La Maison des morts, c’est d’abord une vie ou plutôt, l’absence de vitalité dans le corps d’une femme, la femme à la natte (interprétée par Laëticia Labre), dont on voit défiler sous nos yeux les étapes, de la jeunesse à la vieillesse. Ce défilé est valable pour elle aussi. Elle ne contrôle rien dans sa vie. Elle laisse les choses se passer. Elle attend. On ne sait pas quoi mais elle attend. Il n’est pas certain qu’elle sache elle-même ce qu’elle désire, ce qu’elle veut de la vie, ce qu’elle veut d’elle-même. Elle se contente d’être la spectatrice de sa propre vie, sans jamais prendre part à l’action. Parfois, on se dit que ce n’est pas plus mal. Partagé entre l’envie de la secouer, de la réconforter, et de l’achever, le spectateur ne se reconnaît pas en elle, du moins on l’espère. Elle assiste en effet impuissante et indécise à la perte de son emploi, à l’influence trop grande de sa mère, à l’abus de son père, à la déchéance de son frère, et à la vie morose de ses voisins. Témoin de la mort, de l’abandon, du désespoir, elle traverse l’existence fantomatique de tous ces autres personnages, qui ne sont autres que des marionnettes. Des marionnettes, certes, mais souvent plus humaines que la femme à la natte. Certaines sont souriantes, d’autres seulement détestables, mais elles sont de manière générale plus vivantes que la comédienne, et donc plus proches de nous.

Centrées sur la scène, sur un socle que les marionnettistes déplacent au gré des « péripéties », marquant les différents tableaux de la pièce, toutes ces figures se donnent la réplique en tournant en rond, dans une atmosphère lourde et pesante de futilité et d’angoisse, de lassitude. La question est de savoir comment les choses vont se boutiquer, et comment la fin va se manifester. On doit donc vivre sa vie avec elle pour le découvrir, et subir toutes ces horreurs et la violence d’une vie ratée telle que la sienne. Pourtant, l’important ne se trouve pas là. On oublie la fin, on oublie les évènements, on tire juste une leçon de ce spectacle aux allures si réalistes : vivre pleinement sa propre vie. Merci donc à ces marionnettes pleines de vie et de réalisme, dont la manipulation est aussi efficace que les émotions qu’elles dégagent.

 LA RENCONTRE

Sortie de secours a rencontré Antoine Lebrun afin d’en apprendre plus sur ce spectacle surprenant.

Sortie de secours : Pourquoi avoir choisi de mettre en scène la Maison des Morts ?

Antonin Lebrun : C’est un texte qu’on a eu l’occasion de lire à l’école. On a même pu y rencontrer l’auteur, qui est très contemporain. On a beaucoup appris de lui. On l’avait vu une première fois à la Comédie Française puis on avait assisté à une lecture au plateau. J’avais été un peu déçu par certaines choses, en tant que spectateur. Il y avait des choses assez incompréhensibles, des scènes de violence qui passaient presque inaperçues. Ce sont nos mythes actuels ; le viol, l’inceste, l’assassinat… C’est un spectacle pour adultes. J’avais envie de rendre en marionnettes des personnages qui arrivent, qui apparaissent puis disparaissent, dans ce contexte.

SdS : Pourquoi ne pas avoir mis que des marionnettes ?

A.L. : Cela permettait d’avoir un décalage, de développer le jeu de ce personnage. Le spectateur s’attache plus aux marionnettes. C’est un décalage entre l’actrice et l’individu. Elle est comme entourée par des fantômes. Il y a différentes manières de faire vivre un personnage. Ainsi, il y a une connexion globale dans le tout.

(Yves Leroy précise alors que c’est une question autour de la présence. Il s’agit de faire jouer la compagnie sur une longue période, pour faire murir les choses.)

SdS : Les marionnettes sont-elles muettes ?

A.L. : On fait parler les marionnettes, on est en ce sens un peu comédiens. C’est du jeu. On s’appuie sur le visage, qui est déjà donné, pour le jeu. J’avais envie de jouer sur la surenchère visuelle, la surenchère de personnages. C’est donc un peu créé sous la forme de tableaux.

SdS : Les marionnettes sont vraiment très réalistes, c’est impressionnant. Lorsqu’on feuillette le programme de La Maison du Théâtre et qu’on tombe sur la photo qui accompagne la description de votre spectacle, on a vraiment l’impression de voir quelqu’un. La peau elle-même est incroyablement travaillée. Comment cela fonctionne ? Cela vous coûte-t-il cher ?

A.L. : Je ne peux pas vraiment vous dire puisqu’il s’agit d’un lot. Certaines coûtent plus cher que d’autres. Si on devait vraiment donner un prix moyen, on pourrait dire qu’une marionnette coûte environ trois mille euros. C’est le prix de tous ces matériaux. Pour que ça ait l’air si vrai. Quant aux pores de la peau, ils sont dus au tamponnage d’une mousse que l’on applique sur le latex, pour donner cette couleur chair.

SdS : Est-ce vous qui construisez vos marionnettes ?

A.L. : Il s’agit en fait d’un laboratoire de recherche de visages, qui se fait à plusieurs. J’ai trouvé le style pour l’ensemble des personnages et je m’occupe de la fabrication des marionnettes, mais nous sommes plusieurs à travailler sur la conception des personnages, des visuels. Je suis aidé de certains amis être autres.

SdS : Ce sont un peu comme vos enfants finalement…

A.L. : Non, j’essaie vraiment de prendre de la distance.

SdS : Comment avez-vous conçu le spectacle de marionnettes ? Disons, apparaissez-vous sur scène comme marionnettiste ou cachez-vous cet aspect là au spectateur ?

A.L. : On a opté pour la convention avec le spectateur : « on va faire comme si ». Le but est quand même néanmoins de ne pas se faire voir. Nous sommes tout en noir.

SdS : Le travail de la comédienne n’est pas non plus évident face aux marionnettes. Comment a-t-elle envisagé son rôle ?

A.L. : Elle l’a envisagé par rapport à des « monstres ». Ce sont des monstres qu’elle a autour d’elle, des monstres à visage humain. C’est la lumière qui joue beaucoup sur les expressions des marionnettes.

SdS : Les marionnettes, de même que les clowns, ça fait parfois peur aux gens. Avez-vous eu des réactions de ce genre de la part du public ?

A.L. : C’est vrai qu’elles n’ont pas d’yeux mais elles ont quand même un regard. Cela peut gêner, ou effrayer. La marionnette a une puissance. Il y a une présence qu’il n’y a pas à la télévision. Il faut profiter du pouvoir du regard, de l’identification du spectateur à la marionnette, aux personnages. C’est comme en magie, c’est le spectateur qui fait le travail.

SdS : Quels sont vos projets désormais ?

A.L. : Jouer ce spectacle le plus longtemps possible (nous avons treize dates de programmées). J’ai aussi envie de monter des petits spectacles, dans le style de Mam Goz (présentée lors du Festival plein les mirettes, c’est une mémé brestoise).

Propos recueillis par Naïg Vaineau.

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D’abord un petit coup d’oeil sur ce très beau clip, en ligne depuis le 2 février :

« Bad Girls » marque la deuxième collaboration de Romain Gavras avec M.I.A. En avril 2010, il signait la réalisation de « Born Free« , une ode ultraviolente pour la protection des rouquins. Il s’est fait connaître du grand public grâce à ses multiples participations au collectif Kourtrajmé et le clip « Stress » pour le duo Justice en 2008.

Il manque évidemment quelques petits détails comme les films de Bollywood. L’auteur avoue sa profonde inculture à ce sujet. Si vous avez décelé une référence qui nous a échappé, n’hésitez à nous le faire savoir dans les commentaires. Pour l’anecdote, Romain Gavras a tourné à Ouarzazate au Maroc. L’action est sensé se dérouler en Arabie Saoudite.

Pimp my Saudi Arabia avec M.I.A.

Par Brendan Troadec

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L’interprétation fidèle d’un ballet russe « du répertoire »

Le Lac des Cygnes est un ballet dont la renommée n’est plus à faire. Né en Russie, d’inspiration allemande, ce ballet en quatre actes a été d’abord chorégraphié par Vladimir Begichev sur une composition musicale de Piotr Ilitch Tchaïkovski. Il a conquis, après la mort de ce dernier, l’admiration d’un public désormais mondial. Créé à Moscou en 1877, le spectacle dure 2h30 et nous narre la malédiction qui pèse sur une histoire d’amour entre un prince et une princesse transformée en cygne.

C’est donc l’histoire du jeune prince Siegfried qui, pour sa majorité, doit choisir une épouse sur ordre de sa mère, lors du grand bal organisé en son honneur. Le soir même, il se rend dans la forêt avec un ami pour chasser près du lac des cygnes. Alors qu’il s’apprête à tuer les cygnes, l’un d’entre eux se transforme en une magnifique jeune femme. C’est la princesse Odette qui, enlevée par le sorcier Rothbart, a subi un sort. Elle est condamnée à être un cygne le jour, et à ne redevenir femme que la nuit. Seul un mariage pourrait la sortir de cette condition. C’est alors le coup de foudre ; le prince veut l’épouser. Le lendemain au bal, c’est Odile, fille de Rothbart et sosie de Odette, qui se présente au bal. Siegfried, abusé par la ressemblance, lui avoue ses sentiments et se marie avec elle. C’est alors qu’il aperçoit la véritable Odette et se rend compte de son erreur. Il existe alors trois fins à cette histoire :

• Le Prince tue Rothbart et vit heureux avec Odette (cette fin n’est guère intéressante et ne correspond pas à la beauté dramatique du ballet)
• Il retourne au lac mais c’est déjà trop tard, Odette est condamnée et se suicide/se fait tuer. La première version veut alors qu’il soit malheureux à jamais et vive dans la douleur.
• La troisième met en scène le sacrifice du prince qui retrouve Odette dans la mort, au paradis, ce qui provoque la mort du sorcier.

C’est cette dernière fin qui a été choisie par l’Opéra national Tchaïkovski de Perm.

Une prestation mémorable

Dirigé par Alexey Miroshnichenko, grand chorégraphe reconnu internationalement, ce ballet est adapté en trois actes que viennent réguler deux entractes. Pour cette magnifique prestation de l’Opéra national Tchaïkovski de Perm, 55 danseurs sont présents sur scène, dont le couple de danseurs étoiles que forment Natalia Moisseeva et Sergeï Mershin, symbole de l’harmonie et de la perfection. Effectivement, dans un premier temps, c’est la perfection physique qui est à noter. Si quelques erreurs sont remarquées dans le timing et dans la réalisation de certaines parties de chorégraphies, que certains spectateurs n’ont pas manqué de souligner à leur voisin dans l’assistance, la performance n’en reste pas moins incroyable. Des corps musclés, souples, précis et gracieux, voilà ce que nous avons sous les yeux. Siegfried, qui ne danse pas tout de suite et se fait désirer, est peut être celui qui, le plus, nous en met plein les yeux. C’est avec une apparente facilité qu’il se déplace et ondule sur l’espace scénique, et donne toute sa beauté à Odette. Seule, elle est également très impressionnante. On a vraiment l’impression de voir un cygne sous les yeux, puis une jeune femme amoureuse emprisonnée sous ces traits animaux. Elle personnifie le désespoir et la torture qui est présente, originairement, dans la musique de Tchaïkovski.

Nous regrettons à ce sujet l’absence d’un orchestre symphonique. Si la musique de Tchaïkovski est nostalgique et nous va droit au cœur, au point de nous faire couler quelques larmes, par la beauté et la conscience intense du drame qui se joue là, elle eut plus d’effets jouée sous nos yeux par des hommes, plutôt que diffusée (parfois mal raccordée) en fond dans le grand théâtre.
Cela ne nous empêche pas d’être en admiration devant ce décor raffiné, bien que classique, élégant, à l’instar des costumes et de la chorégraphie.

L’innovation ne semble pas être de la partie mais ce n’est pas, après tout, ce que le spectateur vient chercher ici. Il vient surtout découvrir ou redécouvrir l’équilibre à la fois chorégraphique, dramatique, visuel et auditif, de l’acte dit « blanc », où la magie et la féérie torturée de Tchaïkovski et de Vladimir Begichev sont à leur point culminant.

Par Naïg Vaineau

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avec Leonard DiCaprio, Armie Hammer, Judy Dench, Naomi Watts

En s’intéressant à John Edgar Hoover, Eastwood aborde un mythe de l’histoire contemporaine des Etats-Unis d’Amérique, patron du FBI pendant près d’une cinquantaine d’année, sous huit président. Un film soigné, qui couvre 50 ans d’histoire américaine, sans quasiment en dire un mot…

  L’intime

«This old little cock sucker» aurait dit, selon Eastwood, Nixon en apprenant la mort de Hoover en 1972. C’est une manière de réduire son adversaire à une dimension qui a fait fantasmé le monde à propos de Hoover, c’est-à-dire sa vie privée. C’est sous cet angle que Eastwood choisit de nous montrer ce personnage éminemment public et politique. L’intime, le sien ou celui des autres, des relations avec sa mère (jouée ici par Judy Dench) ou évidemment de ses prétendues relations homosexuelles avec le numéro 2 du Bureau : Clyde Tolson. L’intime encore, quand il écoute, avec un plaisir coupable, les ébats entre John Kennedy et Marilyn Monroe. La point de vue parait donc réducteur, mais sert à Eastwood de point d’entrée pour comprendre la totalité, la complexité d’un personnage manifestement névrosé.

L’anti Oliver Stone

En reléguant le politique à un aspect secondaire, puisque les affaires, les enquêtes ne servent finalement qu’à mettre mieux en lumière les troubles personnels de Hoover, Eastwood fait un film asbolument non-politique, esquissant les affaires, pourtant nombreuses, au rang d’anecdotes, comme l’assassinat de Kennedy, évacué d’une simple phrase adressée à Robert Kennedy : «The President has been shot». Symbole de cette belle ommission, un même plan, revenant dès que Hoover se présente au président des Etats-Unis fraîchement élu : quand il entre dans le bureau ovale, annoncé par la secrétaire, celle-ci referme la porte devant nous. A la différence d’un Oliver Stone, que le sujet aurait sans doute fasciné, c’est l’intime, le privé, le personnel qui meut Eastwood et son personnage. Intime que DiCaprio, encore une fois très bon, manifeste très bien. Cependant, la performance de Armie Hammer (qui jouait les frères Wincklevoss dans The Social Network) est sans doute plus remarquable. C’est le personnage moteur, celui par qui Hoover devient J. Edgar.

Par Gweltaz Caouissin

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Une équipe de choc.

Pierre Guillois, avant d’être le créateur de cette pièce, est auteur de spectacles, metteur en scène et comédien. Il s’investit d’ailleurs d’autant plus dans son spectacle qu’il joue dans la pièce. Pour autant, la mise en scène n’est pas de lui mais de Bernard Menez, comédien et chanteur, l’une des grandes pointures du théâtre de boulevard à la française. A eux deux, ils ont réussi à nous réunir un casting de rêve, complètement masculin : Pierre Vial qui, à l’instar de Menez, est entré à la Comédie Française, est metteur en scène, et trois fois décoré (de l’Ordre du mérite, de la Légion d’honneur et de l’Ordre des Arts et des lettres). Avec lui, pour jouer les tantes dont nous parlerons par la suite, Jean-Paul Muel, acteur français connu notamment pour avoir joué dans Papy fait de la résistance ou encore dans les Visiteurs. Nous avons aussi Olivier Martin-Salvan, dont nous avons déjà parlé dans Sortie de Secours ; comédien, mime, chanteur lyrique, etc. Luca Oldani est quant à lui moins connu mais tout aussi doué. Comédien et stripteaseur, il assure une certaine fraicheur et un côté dénudé qui sans lui aurait manqué à la pièce… Pour finir, il y a également Chris Cody, pianiste remarquable présent tout au long de la pièce.

Un spectacle aux nombreuses facettes.

Le Gros, la vache et le mainate, c’est le théâtre de l’absurde dans toute sa splendeur. C’est le rassemblement de différentes scènes de cabaret, de numéros burlesques, de stripteases… C’est enfin le théâtre de vaudeville comme on n’en voit plus beaucoup ! Il s’agit en fait d’une déconstruction, au théâtre, du théâtre, mais tout en jouant la comédie et en révélant les vrais comédiens. C’est un peu paradoxal, néanmoins l’important n’est pas là. Le mot d’ordre : s’amuser. Le spectacle se joue dans la bonne humeur, dans une ambiance comique, mais également provocatrice. C’est l’histoire d’un homme qui est enceint et vit avec Paul, le deuxième père de l’enfant, dans une maison tout à fait charmante qu’ils préparent à l’arriver du bambin. Mise à part la première et la dernière scène, cet intérieur est le seul décor de la pièce. Très fantaisiste, pas moins solide et complet, le décor se traduit par un salon, avec une télé très originale, une pseudo cuisine, une chambre d’enfant et une chambre d’amis. Un mois avant l’accouchement, le couple attend tante Schmurtz qui doit venir leur apporter son soutien pendant ce mois prénatal. Cependant, à cinq minutes près, c’est tante Chose qui fait son entrée, elle qui était censée arriver à partir de la naissance du petit. Les deux tantes ne peuvent pas s’encadrer mais vont apprendre à vivre ensemble, sur fond de gay attitude et d’humour noir.

Une création qui vaut son pesant d’or !

S’il y a quelques longueurs et que les rires ont du mal à se lancer franchement au début, la suite est très prometteuse et très drôle. Le couple des tantes est magnifique, les retournements de situations nombreux et bien pensés, et les performances sont extraordinaires. Il y a également à noter la présence très appréciable d’un mainate, dont le « jeu » est aussi impressionnant que celui des comédiens. Il se prénomme par ailleurs Connard… Avec cette création, le théâtre nous emmène là où on ne l’attendait pas et nous permet de nous lâcher. Cette mise en scène nous fait nous poser des questions, repenser les règles du théâtre et de l’humour, et prendre du recul sur certains sujets d’actualité de notre société occidentale. En allant aussi loin dans l’appréhension très osée de ces sujets, Pierre Guillois et Bernard Menez en modifient notre perception. Cela change du traitement habituel de ces thèmes, et l’on passe un très bon moment. C’est un vrai bonheur !

Par Naïg Vaineau

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Un trio de spécialistes en tout

Les connaissez-vous ? Frederic P. Miller, Agnes F. Vandome et John McBrewster forment un trio d’auteurs-chercheurs hors-pairs, qui inondent les sites de vente en ligne de leurs ouvrages pointus. Jugez donc, avec cette extrait d’une bibliographie encore trop incomplète :

• Espace Vectoriel Normé: Mathématique, Géométrie, Algèbre linéaire, David Hilbert, Stefan Banach, Analyse fonctionnelle (mathématiques), Norme (mathématiques)

• Europe Écologie: Élections européennes de 2009 en France, Daniel Cohn-Bendit, Jean-Paul Besset, Cécile Duflot, Noël Mamère, Élections régionales françaises de 2010

• Art Inuit: Groenland, Art premier, Musée du quai Branly, Inuktitut, Inuit, Culture de Dorset, Musique inuite, Inukshuk

Art, littérature, cinéma, politique, musique… Des dizaines de milliers de livres sont apparemment signés de ce trio d’auteur stakhanoviste, et imprimés à la demande. Pas un sujet, pas un domaine qui n’échappe à la sagacité de ces trois signatures, et de leur chanceux éditeur, Alphascript Publishing…. Mais une telle démesure de science et de savoir se monnaye à prix d’or : comptez autour de 40 euros par exemple pour les 124 pages de l’alléchant Gotique: Langue germanique, Goths, Langue indo-européenne, Linguistique comparée, Alphabet gotique, Phonologie du gotique, Numération gotique, Loi de Grimm. Dès le titre d’ailleurs parfois, nous pouvons juger de la qualité scientifique de la publication avec ce magnifique « Gotique »… Et la déception ne s’arrête évidemment pas là.

Après commande, tout enchanté de recevoir votre somme de connaissance sur Mike Wallace (Journalist): Journalism, Game show, Media personality, John F. Kennedy, George H. W. Bush, Ayatollah Khomeini, avec ses 256 pages qu’on imagine bien denses, vous allez déchanter en quelques secondes. Car en lieu et place de cette « academic research worldwide » promise par le site de l’éditeur, vous vous trouvez face à un dossier à peine plus soigné qu’un rapport de stage de collégien, avec cette sublime étiquette ronde et verte sur la couverture qui annonce avec fierté : « High quality content by wikipedia articles », autrement dit « Contenu de haute qualité par des articles de Wikipedia ». Le trio assure en fait simplement la direction éditoriale de cet ensemble parfois disparate d’articles autour d’un sujet. Notons que, les « livres » étant imprimés à la demande, il n’y a ni stocks ni risque de perte d’argent.

High quality content by Wikipedia articles

C’est le moment de faire un peu la tête, car vous venez de payer les yeux de celle-ci une impression d’articles Wikipedia auxquels vous auriez eu accès par le biais de ce même internet qui vous a servi à commander cette « oeuvre ». Gratuitement. Pour une description plus complète de ce qui vous attend à vous laisser tenter par un ouvrage dirigé par Frederic P. Miller, Agnes F. Vandome et John McBrewster, laissons donc la parole au principal intéressé. Voici donc une traduction partielle de la page anglaise de Wikipedia sur le sujet :

Il semble que le seul contenu de la plupart de ces livres consiste en des articles en accès libre de Wikipedia, sans aucun indice de la participation de ces trois individus à leur rédaction. Les livres ont souvent de très longs titres pleins de mots-clés. […] Les articles sont souvent pauvrement imprimés avec pour caractéristiques des caractères manquants dans les langues autres que l’anglais (ndlr : les e avec accent ne passent pas semble-t-il) et de nombreuses images de flèches là où Wikipedia proposait un lien.

Pour un fournisseur de contenu de haute qualité, il paraît étrange de dénigrer ainsi son éditeur… Sauf que bien évidemment, les nombreux contributeurs des articles de Wikipedia, encyclopédie libre et participative rappelons-le, n’ont sans doute jamais imaginé voir ainsi leur prose vendue à prix d’or.

C’est inhabituel, c’est vrai…

Sur la question de la légalité de ce type de pratique, il semble que la législation reste floue. On peut ainsi s’interroger sur les propos de Wolfgang Philipp Müller, le chef de la direction de VDM Group lorsqu’il défend sur le site d’Alphascript Publishing la légalité de ses pratiques commerciales :

« Alphascript et Fastbook publient des travaux dont la publication est […] autorisée. Ces autoproclamés travaux « copyleft » (libres de droits) sont mis sur internet à la disposition de tout un chacun. Les autorisations pour l’usage libre autorisent expressément une utilisation commerciale. Et c’est exactement ce que nous faisons. Mais c’est inhabituel, c’est vrai. »

Que dire devant tout cela ? Effectivement, la licence Creative Commons permet ce genre de dérives, même si cela est loin de l’idée originelle d’une telle licence. Si d’aventure vous vous portez acquéreur d’un de ses ouvrages dont le prix à la page est délirant par rapport au contenu, la seule question qui vous restera à poser, implorant le Ciel à genoux de vous être fait mettre bien profond à ce point par un éditeur sans scrupule, c’est la suivante : comment se fait-il qu’Amazon, Blackwell ou encore Abebooks cautionnent ce type de pratiques ?

Par David Roué

ANNEXE :

Un exemple de couverture d’un livre estampillé Alphascript Publishing :

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