Scorpène, pouvez-vous résumer en un mot ou une courte phrase ce que c’est que la magie mentale, à la différence de ce qu’on entend traditionnellement par magie ?

En magie traditionnelle on manipule des objets, pour tromper le regard du spectateur, parfois même ses sens. En magie mentale il n’y a pas forcément de manipulation d’objet, on va plutôt manipuler des pensées, le choix des gens, leurs faits et gestes, on va jouer de psychologie, d’influence, et puis on va tenter de bousculer un peu leur libre arbitre. Tout ne passe plus forcément par le sens de la vue.

« Réalité non ordinaire » est votre premier spectacle de magie mentale. Comment en êtes-vous arrivé là ? Pourquoi ne pas avoir fait ce spectacle plus tôt ?

Effectivement c’est un parcours un petit peu chaotique. J’ai commencé comme joueur d’échecs professionnel, à l’âge de 17ans. J’ai parcouru un peu le monde entier pour jouer et gagner ma vie en faisant des tournois internationaux. A l’âge de 30 ans j’ai mis un terme à la compétition pour me lancer corps et âme dans la création d’images. Alors j’ai développé moi-même mes logiciels, pour manipuler, triturer l’image en direct, en temps réel sur scène. Tout d’abord avec des musiciens, comme le Magic Malik Orchestra, ou un guitariste, par exemple, Marc Ducret. On proposait des voyages un petit peu oniriques où le son s’improvisait sur les images et les images sur le son. Une sorte de dialogue. Je travaillais avec un petit laboratoire de chimie où je manipulais des éléments, des objets, des liquides, et puis j’insérais le tout dans une caméra via un logiciel qui re-manipulait le tout. Et puis on faisait des étirements de pixels. C’était un peu comme de la peinture en mouvement. Ce qui m’intéressait c’était de trouver l’espèce de télescopage visuel pour embarquer complètement le spectateur dans un ailleurs. Et puis ben aujourd’hui j’ai 39 ans, ça faisait quelques années que je pratiquais la magie en amateur éclairé, et j’avais de plus en plus envie de poser des questions sur le réel. Ce sont des vraies questions qui me fascinent : qu’est-ce que la réalité ? De quoi sommes-nous vraiment certains aujourd’hui ? Et puis je trouvais que le médium de la magie et particulièrement la magie mentale était le bon outil pour parler de ça.

Mais à l’époque, c’était de la magie traditionnelle que vous faisiez ?

Oui, j’ai commencé tout simplement par un peu de close up, avec des cartes. Je donnais des cours à un jeune homme, des cours d’échecs, qu’il ne pouvait malheureusement plus me payer. Il était magicien d’un très bon niveau, et je lui ai proposé un deal pendant un an : de m’échanger des techniques de magie contre des cours d’échecs. Et ce petit garçon m’a donné le virus, à tel point qu’aujourd’hui j’en ai fait mon métier.

Il est écrit sur votre site internet (www.scorpène.fr) que votre spectacle prend appui sur 3 piliers : l’Alchimie, la physique quantique et les Chants de Maldoror de Lautréamont. En quoi ces 3 pôles constituent pour votre spectacle une base si importance ?

La physique quantique, aujourd’hui, elle revisite notre physique traditionnelle, elle est en train de bousculer beaucoup de choses. D’ailleurs, je pense même qu’on est en retard maintenant, en parlant de physique quantique ; on va bientôt parler de physique supra quantique. Et puis finalement cette physique quantique qui est la théorie des probabilités, qui dit que tout est plus ou moins probable, mais que le regard de l’observateur va fixer quelque chose à un endroit précis, ne fait que dire ce que les alchimistes avaient déjà découvert il y a maintenant plus de 7000 ans. Et je vois des points communs, que j’entends bien sur « points comme un », entre ces deux disciplines. Pour moi l’alchimie a toujours été quelque chose d’opératif, pas du tout spéculatif. Je me suis toujours intéressé aux civilisations anciennes, à leur manière d’appréhender le monde, et je pense que notre science actuelle, personnellement, me fait défaut, pour appréhender le monde dans lequel je vis. On nous a dit pendant longtemps que la terre était plate, on en était sûr et certain, on a bâtit toute notre science sur ce fait. Ensuite on nous a dit qu’elle était ronde. Aujourd’hui on nous dit qu’elle est un petit peu comme un œuf, elle est ovoïde. De quoi sommes-nous sûrs aujourd’hui dont on sera vraiment sûr demain ? Moi je n’ai vraiment aucune certitude à l’heure où je vous parle et je pense que cette science qui a quatre siècles ne suffit pas pour tout expliquer. Et il y a beaucoup de choses dans l’univers qui sont pour moi très magiques, très merveilleuses et je laisse la porte ouverte à toutes les choses que je ne comprends pas.

« Vous avez, vous, une place, et vous transmettez quelque chose d’impalpable à la matière, qu’elle vous transmet en retour »

C’est quand même une vision assez sceptique, au regard de la science…

Ah mais je suis plus que sceptique au regard de la science ! J’adore les scientifiques, j’ai de nombreux amis scientifiques avec lesquels on discute et on partage des idées, j’ai d’ailleurs bâti ce spectacle en m’entourant assez bien dans ce domaine. Mais voilà, je pense profondément que l’observateur, l’expérimentateur, a une place dans chaque expérience. Pour moi aucune expérience n’est reproductible dans les mêmes conditions, avec les mêmes ingrédients. Vous avez, vous, une place, et vous transmettez quelque chose d’impalpable à la matière, qu’elle vous transmet en retour.

Sur un autre registre, vous êtes un professionnel du jeu d’échecs. Vous avez dit vous même lors d’interviews précédentes que vous n’avez aucun pouvoir, si ce n’est cette compétence en terme d’acuité visuelle, d’observation, d’analyse, d’anticipation, d’astuces psychologiques. Est-ce que vous affirmeriez qu’il ne s’agit « que »  de cela dans votre spectacle ?

En fait, vraiment en toute transparence, je n’ai strictement aucun pouvoir. Je ne suis ni médium, ni voyant. Je propose un spectacle, donc les règles sont très claires : nous venons nous divertir l’esprit avec un spectacle de magie. Alors qui dit magie dit illusion, et je reconnais que parfois l’illusion a un impact assez fort et le spectateur lui-même va refuser de croire au truc, mais il y en a bien un. Ce truc peut être une astuce de magicien, une vraie connaissance de magie ; ça peut être une astuce psychologique, là on va travailler plus sur l’homme, sa manière de réagir. Et puis parfois, je dois bien l’avouer, il y a de la vraie magie qui se produit. C’est-à-dire des choses dont je suis le vecteur. On place une expérience, et puis tout d’un coup le résultat dépasse complètement mon entendement et on arrive à 200% de réussite et, en toute humilité, je n’y suis pour rien. C’est-à-dire qu’il y a vraiment quelque chose qui me dépasse à ce moment là. Alors personne ne peut me croire mais…

Est-ce une sorte de connexion ?

Oui, je vous donne un exemple simple. A Marseille, j’ai reçu deux personnes sur scène pour la fin du spectacle. Sans trop dévoiler : le couple littéraire de la soirée, où nous travaillons avec des ouvrages. Deux personnes, choisies totalement au hasard, diamétralement opposées dans la salle, vont choisir le même mot, le mot « instituteur » dans un livre. C’est tout à fait possible, mais statistiquement c’est déjà très intéressant. Je trouve le mot, mais l’expérience ne s’arrête pas là. La dame commence à avoir une petite larme, une émotion vraiment très forte qui monte. Alors je lui demande si ça va et elle me dit « est-ce que je peux dire quelque chose ? ». Et elle me dit « ben voilà, la personne qui est ici c’est mon cousin, et ça fait huit ans que nous ne nous étions pas vus. Et on se retrouve totalement par hasard à Marseille et en plus, à la même séance de votre spectacle ». Donc ça commence bien, et puis elle nous explique qu’ils ont le même nom, mais orthographié différemment, et que dans le passé lorsqu’ils se fréquentaient souvent, ils avaient fait leur arbre généalogique. Et en 1860, le dénominateur commun de leur arbre est un instituteur. Donc à ce niveau là, pour moi c’est de la magie, au sens où c’est vraiment merveilleux.

« Le hasard, c’est peut être le nom que Dieu a choisi lorsqu’il se déplace incognito »

Alors le hasard n’existe pas ?

Einstein se plaisait à dire que le hasard est la mesure de notre ignorance, c’est-à-dire que si on connaissait un petit peu plus, on s’apercevrait que ça n’est pas du hasard. Moi il y a une définition que j’aime bien, en dehors de toute croyance, c’est que le hasard, c’est peut être le nom que Dieu a choisi lorsqu’il se déplace incognito.

Il faut alors avoir une certaine croyance en Dieu ?

Oui bien sur, mais tout dépend de la définition que vous allez mettre derrière Dieu. Un croyant dira Dieu, un scientifique dira l’unité ; on va parler d’un tout, quelque chose qui est un. Peut-être un « être », c’est pour ça que c’est souvent étrange, quand l’être est à l’intérieur de moi, et que j’entends « être en je ». L’idée, vraiment, c’est de se rassembler plutôt que de se fragmenter. Percevoir les choses dans un éternel moment présent. C’est ça qui compte pour moi, c’est vivre ce spectacle au présent, et essayer de caler les gens sur une seule et même fréquence pour leur faire voir quelque chose.

SUITE DE L’ENTRETIEN

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Scorpène, vous parliez d’Einstein à l’instant. Dans votre spectacle, vous utilisez un bonnet d’âne, et vous vous adressez à un professeur en lui posant des questions. Il y a tout un jeu autour des mots. Cette conversation entre un élève et un professeur est connue pour avoir été celle qu’aurait eue Einstein avec un professeur, dans son enfance…

Alors je suis absolument au courant de ça sauf qu’il y a tout de même évidemment un détail que vous omettez, c’est que dans le texte que j’interprète, je parle bien de la nature, et non pas de Dieu. C’est une très grande différence.

Pourquoi avoir repris cette base de conversation ?

Je ne peux malheureusement pas tout dévoiler mais je vais quand même vous donner une piste. J’aime les mystères, j’aime « l’incompréhensibilisme », et j’adore les Chants de Maldoror dont je parle dans ce spectacle. Alors j’aime cacher des choses à l’intérieur des choses et j’aime que certaines personnes soient justes interpellées par l’apparence. L’apparence est ici un parallèle, avec ce dialogue qu’Einstein aurait peut être pu avoir, et puis l’idée qu’il y a quelque chose au delà de l’apparence. Chaque mot, chaque virgule est pesée, et peut vous emmener ailleurs si vous êtes plus ou moins initié à certaines sciences. Par exemple j’ouvre le spectacle avec le chiffre 7, lorsque je dis « cette ampoule fonctionne… ». Et bien si vous prenez les premiers mots de chaque première phrase vous allez voir un tout autre spectacle, mais là j’en dis déjà beaucoup.

Pourtant tout le monde n’a pas cette analyse…

Non, mais je me fais plaisir.

« Nous finissons par voir uniquement ce que l’on croit. Nous sommes notre propre obstacle à l’émergence d’une autre réalité »

Avez-vous eu des retours ?

J’ai déjà été contacté par des gens, à la fin des spectacles, qui n’ont bien sûr pas tout perçu, mais qui ont perçu de nombreuses choses, et c’est intéressant… Parce que c’est ça qui m’intéresse. Comment percevons-nous la réalité ? Qu’est-ce qui vous arrête vous, qu’est-ce qui vous choque ? Qu’est-ce qui vous bloque ? Qu’est-ce qui vous empêche à un moment donné d’aller voir plus loin, parce que vous avez cette croyance ? Vous savez, on dit souvent, « moi je ne crois que ce que je vois ». Je crois aujourd’hui que c’est l’inverse qui se produit, nous finissons par voir uniquement ce que l’on croit. Nous sommes notre propre obstacle à l’émergence d’une autre réalité. Je suis persuadé que plusieurs réalités coexistent simultanément, pour moi ça ne fait aucun doute. On peut se caler sur l’une ou l’autre. Parfois on n’en a pas la conscience. Mais on est capable de beaucoup de choses si on s’écoute, si on fait confiance à son intuition, par exemple.

On parlait de dévoiler des « trucs », ou de certaines personnes qui ont perçu des choses. Vous dites vous même qu’il s’agit de jeux d’influences ; n’avez-vous pas peur qu’à partir d’un certain nombre de visionnages, le spectateur lambda puisse en venir à découvrir vos trucs, justement ?

En fait, je n’ai strictement aucune peur au sens où je n’ai vraiment rien à prouver. Pour moi ce spectacle est déjà incroyable ; le fait qu’il existe. Je vous rappelle que je viens du jeu d’échecs, qui est un jeu extrêmement dualiste, qui favorise l’ego à l’extrême. Je ne parlais strictement à personne, à pas plus de trois quatre amis. Et chaque soir maintenant je m’ouvre à deux cents, trois cent personnes, et je peux discuter ouvertement de grandes questions, avec un grand bonheur, parce que je vois le bonheur vraiment, dans les yeux des gens à la fin des spectacles. Je ne suis pas de la communauté des magiciens, je les respecte énormément, j’adore leur travail mais je n’en fais pas partie. Je ne suis donc pas dans une acception performative. C’est-à-dire que si quelqu’un va à un moment donné comprendre, ou croit comprendre comment quelque chose se passe, ça me va. Il n’y a aucun problème.

« Quel chemin j’emprunte pour vous amener à l’intérieur de vous-même ? »

D’ailleurs j’ai tellement voulu savoir comment ça se passait dans la magie que je suis moi-même passé de l’autre côté du miroir. Simplement, je n’emprunte pas toujours les chemins qui sont les plus évidents dans le sens où ça m’arrive de discuter boutique avec des magiciens professionnels : « tu réalises cette expérience là, je la réalise aussi », mais on s’aperçoit en conversant qu’on ne prend pas du tout le même chemin. Parfois on me qualifie d’un peu fou parce que je prends de vrais risques, qui pourraient être évités par des chemins plus simples. Mais je suis persuadé que c’est le chemin qui est le plus important. Parce que vous allez vivre, vous, quelque chose de différent en tant que spectateur. Ce n’est pas forcément juste l’impact du tour, c’est « quel chemin j’emprunte pour vous amener à l’intérieur de vous-même ?». Chaque soir, des gens ont tout compris, des gens pensent que c’est 100% de complices. Vous pouvez aujourd’hui prouver vous le contraire puisque vous avez participé sans aucune complicité.

Oui mais cela n’empêche pas… Moi j’affirme avoir vécu des choses extraordinaires, mais dans un même temps, après avoir vu une deuxième fois le spectacle, j’ai cru avoir perçu des choses qui pour le coup ne sont pas extraordinaires. Ainsi je me dis que si j’allais le voir une troisième, une quatrième, une cinquième fois, peut être que… Déjà le conditionnement du début n’est plus là, parce qu’on arrive dans une autre perspective quand on vient voir le spectacle une deuxième fois. Voilà, le risque est là.

Oui, mais en même temps on peut aussi repasser par d’autres chemins. C’est un peu les montagnes russes. C’est-à-dire que moi ça m’est arrivé aussi d’aller décrypter des spectacles de magie de grands professionnels. Au début je ne comprends rien, après je crois tout comprendre et puis au bout de la quatrième ou de la cinquième vision, je m’aperçois que finalement je ne suis pas allé aussi loin et que je ne comprends finalement rien. Donc pas de certitude et puis le principal, c’est quand même que vous passiez un bon moment, c’est ça vraiment le principal. Comme je vous dis, je ne me situe pas dans la position d’un magicien qui souhaite bluffer et rien que bluffer le spectateur. Je souhaite vraiment l’emmener ailleurs, et qu’il puisse autoriser à se re-questionner sur des questions qu’il avait un peu rangées sous le poids du quotidien. C’est vraiment ça le principal : retrouver son âme d’enfant l’espace d’une heure.

Ce n’est pas la même chose. C’est vrai que l’enfant va poser des questions auxquelles on n’est pas habitué, mais je ne sais pas si c’est « l’âme d’enfant » que de se poser ces questions.

Disons qu’on est plus propice à répondre à certaines questions lorsqu’on est enfant, curieusement. Entre l’âge de 0 et 7 ans vous n’avez strictement aucune barrière et vous avez des capacités que vous allez perdre au delà de 7 ans. Quand on arrive à l’école, on nous dit qu’il ne faut plus rêver, et effectivement ça s’arrête. Puis on est un peu conditionné, on a une sorte de domestication qui se produit par le milieu scolaire et le milieu parental ; on en a besoin bien sûr pour s’éduquer, mais je crois que s’élever c’est plus important que s’éduquer.

Diriez-vous que c’est par là que vous êtes passé vous ?

Ah oui moi j’ai subi une incarcération scolaire très pénible. C’est d’ailleurs pour ça qu’il y a cette phase sur le professeur. Je règle un petit peu mes comptes, en tout bien tout honneur. D’ailleurs j’étais ravi puisque, à ma toute première à Dieppe en mai 2010, j’avais 70% d’enseignants devant moi, dont des gens qui m’avaient eu au collège, et qui étaient très heureux de participer. J’étais ravi, c’était pour moi une belle revanche de faire la paix avec cette époque.

« J’ai un cerveau qui ne fonctionne que comme une partie d’échecs »

Revenons un peu sur votre parcours en tant que professionnel du jeu d’échecs. Quelle est l’influence exacte du jeu d’échecs sur votre/la conception scénique ou fondamentale de votre spectacle ?

L’influence, elle est totale, parce que j’ai un cerveau qui ne fonctionne que comme une partie d’échecs, quasiment depuis que je suis né. C’est-à-dire que tout pour moi est jeu d’échecs. Alors le public est une belle partie avec lequel je joue. C’est-à-dire que je quadrille les gens comme un échiquier, et je sais que telle ou telle case est plus propice à telle ou telle expérience. Tout le public. C’est-à-dire que ici, tout ce que vous avez devant vous, l’ensemble de ces sièges est un échiquier à trois cent cases et non pas à soixante quatre ; donc il est divisé différemment dans mon esprit mais je sais que quand telle case joue tel coup, c’est plus propice à une expérience qu’à une autre. Vous avez vu à peu près, vous, deux fois le même spectacle, mais ce n’est pas toujours le cas. Parfois le spectacle est totalement différent, avec des expériences totalement différentes. Les chemins s’imbriquent au fur et à mesure qu’une personne est choisie plutôt qu’une autre.

Une fois qu’on a fait un spectacle aussi complet et impressionnant, surtout pour quelqu’un qui ne connaît rien à la magie mentale, comment évolue-t-on dans ce domaine et quelle est votre prochaine étape ?

La prochaine étape, c’est un deuxième spectacle qui est naissant dans mon esprit. Je vais bientôt coucher mes idées sur le papier. L’idée maintenant est de progresser dans tous les domaines. Dans le domaine de la magie et dans le domaine du propos, de vous emmener un petit peu plus loin. J’y travaille. Je ne peux pas révéler. Il y a vraiment quelque chose en préparation.

SUITE ET FIN DE L’ENTRETIEN

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Un des piliers du spectacle Réalité non ordinaire : le comte de Lautréamont, vu par Félix Valloton

C’est votre metteur en scène, Serge Dupuy, qui accueille le public. Cela est-il nécessaire pour votre spectacle ou est-ce juste faire acte de politesse comme on dit ?

Non, je pense qu’on est vraiment en dehors de tout acte de politesse ou de chose formelle. Serge est le metteur en scène qui m’accompagne et que j’ai choisi, à savoir qu’il est avant tout comédien, et pas metteur en scène, principalement. Il n’a fait que très peu de mise en scène. Je l’ai choisi parce que j’avais une faiblesse télévisuelle : j’étais fan de la série Nestor Burma (je m’en excuse auprès de vos lecteurs). Dans les neuf derniers épisodes il y a un personnage incroyable qui s’appelle Picpus, qui est joué par Serge Dupuy et qui est un personnage assez magnifique pour moi, j’ai eu la chance de le rencontrer, et j’ai suivi les signes et il est devenu mon metteur en scène. Donc pour moi c’est déjà de la magie, à ce niveau là. Pour ce qui est du créateur lumière, Jérôme Jouvent, je suis assez fan d’un groupe de rock qui s’appelle ACDC et il se trouve que ce Jérôme fait les lumières d’ACDC lorsqu’ils sont en France. C’est aussi pour moi magique d’avoir fait cette rencontre. De même que Katia Labèque, au piano, pour cette introduction de spectacle. Je ne saurais trop vous conseiller de découvrir les œuvres de Katia et Marielle Labèque, au piano.

« Toute cette équipe s’est montée de façon magique »

Bref, toute cette équipe s’est montée de façon magique. La présence de Serge est vraiment importante parce que je ne suis pas un homme de plateau. Je ne suis jamais monté au plateau, je ne suis moi-même pas comédien de base. Je n’ai jamais parlé à plus de trois-quatre personnes et c’est vraiment une mission pour moi. C’est une grande peur, pendant cette heure qu’on passe ensemble. Et même si j’ai maintenant fait quarante représentations, j’ai toujours aussi peur. Je souhaite que ça ne se voie pas, mais la présence de Serge est très rassurante. Et puis je trouve que c’est important aujourd’hui de re-dialoguer avec le public, de ne pas mettre une voix off qui vous dit simplement de fermer vos portables.

Justement, les ondes n’auraient-elles pas ici une influence sur la fréquence dont vous parliez tout à l’heure ?

Personnellement, sans aller jusque là, avant même de parler d’ondes, parlons simplement de notre santé, et parlons également de notre facilité à rentrer dans un spectacle. Lorsque je vais au cinéma il est très désagréable de voir de petits écrans lumineux s’allumer sans cesse. C’est difficile, on sort très vite du film. Ce que je fais est relativement sans filet. J’ai des crans de sûreté, mais des expériences peuvent tout à fait rater. Vous l’avez même vu vous-même, je pense, le premier soir, sur une expérience de bagues qui n’a pas abouti complètement, et puis sur d’autres choses peut-être, que vous n’avez pas perçues. Évidemment, plus le public est avec moi plus on va aller loin. Plus il regarde ces petits écrans lumineux, moins ma présence est importante.

Pourquoi y a-t-il de l’encens quand on arrive, et pourquoi la chauve souris (suspendue en l’air) ? Qui a choisi cela ?

Alors tout est de moi absolument. Serge, concernant la mise en scène, est surtout intervenu au niveau de mes placements, ma façon de poser les choses, la scénographie (avec juste cette chaise et cette table, le plus simple possible), qui disparaît d’ailleurs à la fin. L’encens c’est une de mes préparations personnelles, il s’agit de la myrrhe, du benjoin et d’oliban, qui a quelques vertus intéressantes pour ce spectacle. La chauve-souris c’est quelque chose de « très très très » important pour moi, au delà d’une simple révélation. C’est lié bien sur aux Chants de Maldoror et puis c’est lié à l’alchimie aussi, sans trop en dire, c’est un mammifère volant très important.

« Ce point de vue il est sacré, vous êtes la seule à pouvoir poser ce regard et à voir les choses de votre point de vue. Mais en aucun cas ce n’est le réel »

Je ne sais pas si vous voulez faire passer un message sur la réalité ou si plus exactement vous voulez faire questionner sur cette réalité mais vous finissez par définir la réalité comme une vue de l’esprit. Or, votre spectacle est aussi une exhortation à aller plus loin, à aller voir au delà de la réalité. A quel niveau de réalité pensez-vous ? Où se trouve la réalité et finalement y a-t-il selon vous une réalité sans l’homme ?

Je vais paraphraser Jean-Luc Godard qui disait : « la réalité ne s’est peut être encore jamais manifestée ». Pour moi la réalité elle est définie par ce qu’on est capable de sentir, de voir ou de percevoir, c’est-à-dire qu’on voit à une certaine distance, on entend à une certaine distance, et tout cela va définir un cadre qui est notre réalité. Si vous avez un beau tableau devant vous et que vous regardez la toile et que moi je le regarde mais que je suis derrière, moi je ne verrai seulement qu’un cadre, un cadre très banal, et vous vous allez voir une toile sublime. Vous n’avez pas la réalité en face de vous et moi non plus. Il va falloir qu’on rassemble nos deux points de vue, au moins, pour faire le tour de cette réalité. Je crois vraiment, sincèrement, que la réalité n’est qu’un état d’esprit, une question de point de vue. Là où vous vous situez actuellement, sur cette chaise, vous êtes la seule à avoir ce point de vue. C’est défini par votre position dans l’espace et par votre position dans le temps. Ce point de vue il est sacré, vous êtes la seule à pouvoir poser ce regard et à voir les choses de votre point de vue. Mais en aucun cas ce n’est le réel.

Je fais vraiment une différence entre la réalité, qui est pour moi une illusion qu’on vit au quotidien, une sorte de rêve éveillé, et le réel, qui est le tout, disons qui englobe absolument tous les points de vue. On a l’illusion d’être séparé, on en est souvent très malheureux. Je pense vraiment comme la physique quantique aujourd’hui ou comme les alchimistes d’autrefois que nous ne sommes qu’un. Nous, vous, moi, la matière, cette chaise, vos chaussures, je pense que nous ne sommes qu’une seule et unique chose, matérialisée, manifestée différemment. Mais nous sommes à la même fréquence. Si vous ne passez pas à travers cette chaise, elle est assez dense pour vous retenir, elle est à la même fréquence. Si elle était à une fréquence légèrement différente, on serait peut être de la fumée pour cette chaise, ou alors on passerait à travers. Je crois simplement que comme la radio aujourd’hui, comme les postes à galène d’autrefois – et c’est intéressant, le mot galène, ce qui transmet les ondes dans un poste radio. On a la racine gal ; et gal c’est intéressant ça veut dire également la pierre, et les alchimistes cherchent une pierre un petit peu particulière, qu’ils appellent philosophale. Et autour de nous il y a une gal-axie. C’est intéressant aussi, c’est peut être l’axe de cette pierre. Je vais un petit peu loin, mais juste pour dire que pour moi le réel on n’y a pas accès, parce que c’est le tout et on ne peut pas être partout à la fois. Voilà, je suis assez persuadé qu’il y a plusieurs réalités, et que c’est vraiment une question de point de vue. Une seule information change votre journée, la bouscule. Pourtant le monde lui ne change pas forcément.

« Je pense qu’il n’y a qu’un seul et unique réel, auquel on n’a pas accès »

Alors pourquoi avoir axé autant le spectacle sur la réalité et pas sur le réel ?

Parce qu’il y a différents niveaux de réalité. Je pense qu’il n’y a qu’un seul et unique réel, auquel on n’a pas accès. On peut peut-être par contre passer plusieurs niveaux, j’oserais dire plusieurs fréquences de réalité. On peut percevoir de plus en plus de choses. Entendez bien ce mot, « percevoir », perce pour voir, « percez », et vous verrez, « persévérez ».

Dans ce cas ça veut dire que c’est l’homme qui décide ?

Disons qu’on a peut être l’illusion de décider. Dès l’instant où je dis, « moi, je décide » ou « c’est mon propre choix », je crois qu’on s’illusionne un petit peu.

Disons, dans ce que j’entends, vous parlez de la réalité, de la vue de l’esprit, de la manière dont une information va être perçue par nous, de « notre cerveau qui va donner à la feuille cette couleur verte », mais cela vient toujours de l’homme dans ces cas là. N’y a-t-il aucune information qui vienne du dehors ?

Non, je pense que c’est même tout le contraire que je dis. Je ne pense pas avoir axé la chose sur l’homme. Je dis que l’homme est un récepteur, c’est-à-dire qu’il a son point de vue d’après sa position dans l’espace et dans le temps. Après il peut plus ou moins bien se placer pour recevoir plus ou moins bien une information. Mais l’information elle est partout, elle est en vous, elle est à l’extérieur de vous. L’idée ce n’est pas que l’homme soit plus ou moins bon ou mauvais pour voir une autre réalité, c’est juste un état. C’est un état d’être. Il faut être dans chaque chose, et que chaque chose soit en vous, pour percevoir vraiment ce qui se passe. Il y a une clef très simple, c’est goûter chaque chose au moment présent, le bonheur, être « à la bonne heure », par exemple.

Est-ce que l’idée ce ne serait pas un peu de faire corps avec le monde ?

Oui, je crois surtout qu’il faut… C’est difficile de dire il faut, il n’y a pas il faut… Plus l’ego perd des morceaux, plus on s’ouvre. L’ego c’est une carapace, c’est un mur. Il est très important puisqu’il nous porte. C’est « un portant ». On est peut être porté par cette unité quand c’est im-portant. Mais l’idée c’est vraiment : plus vous allez faire des trous dans l’ego, plus ce qu’il y a à l’extérieur va pouvoir rentrer en vous et ainsi de suite.

Ce qui est extérieur n’est finalement pas extérieur puisqu’on est tous dans le même « tissu de monde » ?

Voilà, mais en tous cas à l’extérieur de notre ego. Peut être qu’on a une peau, une espèce de peau invisible qui serait l’ego et que l’idée c’est de faire des trous dedans pour être à l’unisson, à la même fréquence que tout le reste, goûter chaque chose. Vraiment l’idée est simple : soyez vraiment dans ce que vous faites. Etre plus dans le présent que de se faire du mouron dans le passé pour des choses qu’on a peut être faites, ou s’angoisser à l’avenir pour ce qui va peut être nous arriver demain. Plus vous goûtez chaque chose au moment présent plus ce que vous faites est juste.

Pourtant goûter chaque chose dans le moment présent c’est peut être s’enfermer un peu plus dans son ego, c’est rester un peu plus dans sa singularité…

Il y a un proverbe soufi qui dit que si tu veux voir Dieu, il faut arrêter de te regarder. Je crois que la clef elle est là. On peut considérer que la réalité c’est moi et que je choisis, je parle, je pense. Mais il y a une autre réalité qui peut dire : « les choses se passent à travers moi ». Tout ce qui m’arrive est bon pour mon élévation, même une bonne colère, même une bonne engueulade. C’est là pour que je progresse. C’est une question de point de vue. Donc selon le point de vue que vous adoptez, vous serez peut être plus en accord ou moins en accord avec vous-mêmes. C’est une manière de voir les choses. En tout cas c’est la manière de voir les choses que je propose le temps d’1h, 1h15.

C’est finalement très philosophique comme questionnement. Avez-vous étudié, avant ce spectacle, certaines disciplines, autre que la science, la philosophie ou la psychologie par exemple ?

J’adore la philosophie. Ben je suis un peu un monomaniaque alors quand j’étudie quelque chose je le fais à fond pendant un certain temps avant de passer à autre chose. J’ai lu par exemple toute l’œuvre de Friedrich Nietzsche de l’âge de 18 ans à 25 ans. Sans relâche pendant 7 années, je n’ai jamais rien lu d’autre. Ensuite j’ai lu l’œuvre au complet de ce que je pouvais trouver de Gilles Deleuze. Et puis ensuite j’ai découvert un auteur qui s’appelle Eric Vuillard, qui a écrit trois ouvrages, qui n’est pas philosophe mais qui est coscénariste d’un réalisateur que j’aime beaucoup qui s’appelle Philippe Grandrieux. Et quand je lis un auteur je le lis à fond, voilà. Je suis maintenant revenu aux Chants de Maldoror, qui est pour moi l’œuvre ultime de cette planète. Il n’y a pas autre chose pour moi d’aussi puissant jusqu’à présent, et j’ai bien l’intention d’y consacrer le restant de ma vie.

Pour finir, il y a dans la plaquette de présentation de votre spectacle cette référence au visible et à l’invisible. Nous n’avons pas encore vraiment parlé de l’invisible. Est-ce que le réel dont vous parlez serait cet invisible ?

C’est intéressant parce que quand vous dites invisible, manifestement j’entends « un visible », c’est-à-dire être capable de voir l’unité. Encore une fois, en tant que monomaniaque je reviens toujours à cette idée de rassembler les choses et à cet un, ce alef, ce mince filet de lumière que vous retrouvez dans la petite lettre à la fin, qui est la première lettre hébraïque. Et les 22 consonnes hébraïques sont les lettres qui forment tous nos alphabets. Je suis assez attaché à cela. Effectivement le visible pour moi définit une certaine réalité mais la matière ne s’arrête pas au visible. Avant que quelque chose soit matière c’est onde, et avant que ce soit onde c’est peut être autre chose. L’onde préside toujours à la forme. Avant qu’il y ait une forme, il y a une onde. Quand une castafiore pousse un son très aigu, elle peut éclater un verre en cristal. Mais si elle continue à pousser ce son, à émettre cette fréquence, ce serait intéressant de faire l’expérience et de voir que peut être la poudre de cristal prendrait la forme de l’onde qui est vocalisée. Chaque chose est avant tout envoyée par une musique, par une onde, par un son, et ça pour moi c’est très important. Donc oui, visible et invisible. Visible manifesté dans le jeu d’échecs : vous voyez deux joueurs qui ne bougent pas, qui sont immobiles pendant 10 heures avec des pièces en bois, et on se dit, « comment peuvent-ils faire pour rester calmes ? ». Et puis il y a l’invisible, parce que dans leur esprit il se passe beaucoup d’autres choses et ils sont beaucoup plus loin dans leur esprit que dans la position qui est manifestée dans le visible. Donc visible et invisible, à 100%. Il faut les deux pour percevoir.

Et nous avons les deux dans votre spectacle.

Qui est un petit objet très simple.

Propos recueillis par Naïg Vaineau.

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Un cadre idyllique sous le soleil de Californie, des palmiers, des jeunes filles en bikini, des peoples incognito et surtout une pléiade de stars et jeunes groupes prometteurs se partageant les deux weekends d’avril dévolu aux concerts. Le Coachella festival fait parti de ce qui se fait de mieux en matière de festival rock. Il réunit d’ailleurs en moyenne 75.000 festivaliers par journée. Spécificité du lieu, chaque concert est doublé. Ainsi, si vous avez loupé Radiohead, le 14 avril, vous pourrez les retrouver le 21 avril.
Si la charte graphique est reconduite d’année en année, les noms qui y figurent laissent songeur, jugez plutôt :

Oui, vous avez bien lu. Les Canadiens confidentiels, mais légendaires de Gospeed You! Black Emperor y côtoient Dr. Dre & Snoop Dogg et David Guetta.

Le pari du streaming

Mais pour la deuxième année, le festival a marqué les esprits, en prolongeant son partenariat avec Google pour une diffusion en streaming sur YouTube de la plupart des concerts. Un peu plus de la moitié des spectacles étaient ainsi diffusés et rediffusés en boucle sur un site dédié à l’événement. Sur le modèle d’une télévision connectée, YouTube proposait trois chaines avec un programme détaillé et une visualisation en live du flux twitter #coachellalive. Il était ainsi possible pour l’internaute de passer trois jours enfermé chez lui à vivre le festival par procuration jours et nuits (les concerts étant rediffusés en continu), mais également de commenter les performances et la programmation proposées sur YouTube. Pour son premier weekend, le festival affiche déjà plus de  7 millions de connexions. Plus fort : les plateformes de vidéos en streaming regorgent de captations des concerts mis en ligne par des fans.

Photo sous C.C par vonlohmann

En parallèle, un site se chargeait de répertorier et cataloguer la plupart des photos prises par les festivaliers via l’application pour mobile Instagram. Il était ainsi possible de se balader autour des cinq scènes via les milliers de clichées uploadés en flux continu. L’occasion de vérifier, par exemple, la pertinence ou non de faire revenir 2Pac pour un duo virtuel avec Snoop Dogg. Si la performance a été parfaitement captée par les caméras pour YouTube et les photographes, l’internaute découvrait que pour les festivaliers, elle se résumait à un fantôme lévitant au-dessus de la scène.

Vu du Coachella façon Instagram - Photo sous C.C par soorenasalari

Bien sûr, le modèle économique du Coachella se prête particulièrement à la mise en place de ce type de système, aussi onéreux soit-il. On peut ainsi imaginer sans difficulté que pour la deuxième représentation du spectacle de Dr.Dre et Snoop Dogg, le site sera archicomplet, tant la vidéo de l’apparition de Tupac a circulé dans les médias, sur les blogs et réseaux sociaux.

Grâce aux échanges des internautes autour des diffusions en streaming et la republication pirate des vidéos par les fans, la publicité et le bruit généré autour du festival sont sans commune mesure avec une campagne publicitaire. Les théories autour de ces nouvelles formes de marketing synchronisé parlent au minimum d’une efficacité 40 % supérieure à une promotion classique. Ce modèle multiversant assure à ce festival dont le tarif des pass s’échelonne de 285 dollars à plus de 6.500 dollars, une audience assurée dont rêvent bon nombre de festivals européens, condamnés à voir leurs chiffres d’affaires fluctuer d’année en année.

Pas d’intérêt des organisateurs
Le cas de la Route du Rock est particulièrement parlant. Durant les années 2000, un faible nombre de concerts étaient rediffusés en direct sur France Inter en parallèle du festival. Historiquement, ce dernier a toujours vivoté, soi-disant victime de sa programmation audacieuse et du manque de soutien des collectivités locales. Aujourd’hui, France Inter a franchement levé le pied sur la retransmission des concerts et la structure Arte Liveweb a pris le relais en diffusant toujours aussi peu de concerts en streaming. Au lieu d’ouvrir largement ses portes aux caméras et d’investir dans une centralisation de ces retransmissions sur un site dédié, le festival a choisi de se désintéresser des équipes d’Arte LiveWeb en n’assurant pas la promotion des captations sur son site officiel (un article de temps en temps signale l’existence du dispositif) et en laissant totalement de côté le facteur social. Les discussions des festivaliers et internautes ne sont nullement valorisées, ni favorisées. Quand bien même, il se passerait quelques choses d’extraordinaire durant les concerts (une année, la chanteuse Camille s’était jetée à la mer tout habillée pendant un concert) que rien n’est vraiment organisé pour assurer la médiatisation des images des festivaliers. Le site de la Route Rock se bornant à diffuser des informations pratiques, parfois des reviews des concerts et le programme de la journée.
En France, on n’a pas de pétrole, mais on n’a pas non plus d’idées en matière de festival.

Par Brendan Troadec

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Le théâtre, ce n’est pas qu’un lieu où un adulte vient se cultiver / se montre / jouer les élites culturelles. C’est avant tout un lieu de création qui s’adresse à tous, même aux plus jeune…

En Mars, la Maison du théâtre de Brest a ainsi proposé de petites leçons d’ouverture théâtrale aux enfants, qui s’adressaient d’ailleurs tout autant aux plus grands. « La Maison des interdits » et « Hue mains » ont ainsi fait la joie de notre chroniqueuse théâtre…

Petit code de conduite à l’usage des tout petits

Au mois de mars, La Maison du théâtre s’est transformée en Maison des Interdits le temps de donner une leçon à nos chers bambins…

La Maison des Interdits est un spectacle de la Compagnie All’ Improvviso, qui nous vient tout droit d’Italie pour chambouler nos codes de conduite. Spécialisée dans ce qui a trait à l’imaginaire de l’enfance, elle est beaucoup axée sur le mode de la narration, et ce spectacle ne déroge pas à la règle. Son fondateur, Dario Moretti, devient ainsi le temps d’une bonne demi heure le conteur et Maître de la Maison des Interdits.

Une scène à dominante rouge, comme la couleur de l’interdiction, de l’attention, du danger, et de l’excitation aussi. Le public suit pas à pas le parcours peu ordinaire de deux jeunes gens qui ont osé s’aventurer dans la Maison des Interdits. Attention, le Maître les attend au tournant : « dans la Maison des Interdits, il est interdit de marcher… Il est interdit de sauter… Il est interdit de ramper… » etc. C’est alors respectivement à cette jeune femme et à ce jeune homme de s’accommoder et de trouver un autre moyen de se déplacer dans la maison. Il les force à se poser la question suivante : je ne peux pas faire cela, cela m’est interdit. Si je veux respecter la règle, que puis-je faire alors ? Comment puis-je contourner les interdits ?

Plus qu’une Maison des Interdits, c’est alors une maison des solutions, une maison de l’imagination, de la réflexion, et aussi un peu de la défiance. Il s’agit de faire comprendre aux enfants ce qu’est un interdit, et de les faire réfléchir à des solutions vis-à-vis de cet interdit, pour aller plus loin. Le spectacle se termine donc logiquement par une invitation du Maître à faire venir jouer les enfants du public dans sa Maison, à leurs risques et périls !

« L’idée du spectacle c’est de présenter l’interdit comme une possibilité de faire des choses que tu ne ferais jamais dans la vie. C’est très important pour les enfants. Il te donne la possibilité de trouver une solution plus intelligente, plus agréable. Il te donne beaucoup de bonheur. C’est une maison pour grandir, pour trouver des solutions.

Il n’y a pas beaucoup de mots, il y a beaucoup de danse et de mouvements. La musique aussi est très forte et c’est ainsi plus facile à comprendre pour les enfants. Ce n’est pas l’interdit pour dire « c’est la révolution » ; c’est pour trouver des solutions. »

Dario Moretti

Retrouvez l’actualité de la Cie Teatro All’ Improvviso sur www.teatroallimproviso.it

Une aventure au carrefour des sens.

Haut les mains ! La Compagnie Drôle d’Oiseau nous arrive tout droit de Douarnenez pour chambouler les sens de nos petits brestois. C’était à la Maison du Théâtre en cette fin de mois de mars… Un spectacle intitulé « Hue mains » ! Videz vos poches des a-priori, et laissez vous prendre en otage le temps de cette découverte sensorielle !

Les premiers pas sur terre

Il s’agit en fait d’une rencontre sensorielle qui se fait principalement au moyen de la terre glaise. En effet, celle-ci nous apparaît dans un premier temps sous la forme d’un tapis, assez large, d’une épaisseur d’environ dix centimètres. C’est ce qui constitue principalement l’espace scénique. Deux comédiens, Marion Mouturier (également metteur en scène du spectacle) et Fabrice Chainon, jonglent avec nos sensations. Elle est « danseuse », il est musicien. Elle se joue avec la terre, devant nous, il joue avec les sons, derrière elle, en retrait. Tout est axé sur l’éducation artistique des jeunes spectateurs, qui font avec eux leurs premiers pas dans le monde de l’art et des sens.

Une initiation à la création

Nous autres, adultes, sommes à la fois spectateurs du tâtonnement des comédiens et des petits. Nous assistons à l’initiation musicale, mais aussi à celle du toucher, des formes modelables, à la sculpture donc… Tel Pygmalion, la comédienne donne vie à la terre glaise qui se fait tantôt humaine, tantôt animale. A l’aide d’un instrument qui lui permet de découper la terre, elle érige des futures créatures, au plus grand bonheur des tout petits (précisons à ce sujet que les enfants peuvent assister au spectacle dès l’âge de neuf mois). Pourtant, ce sont bien ses instruments naturels, ses outils à elle, ses mains, ses pieds, ses coudes, qui permettent une telle création et une ouverture des sens.

On joue avec le corps, avec la matière, avec les sons pendant trente minutes, avant de donner aux enfants la possibilité de toucher eux mêmes la fameuse terre glaise, et de lui donner forme. Un bon petit programme pour nos artistes en herbe !

Par Naïg Vaineau

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« Je suis née du désir de mer »

Sortie de Secours : Votre troisième roman se nomme donc « Mane Vechen », un titre qui peut paraître énigmatique…

André Daviaud : En fait, Mane Vechen, c’est un lieu-dit où l’on a retrouvé les ruines d’une villa romaine du IIIème siècle, qui a disparue pendant 16 siècles. Elle est née à peu près sous l’empereur Septime Sévère, on ignore son nom… C’était une villa maritime, dont toute l’architecture était orientée vers la mer. Il s’agissait sans doute de jouer avec l’horizon marin, comme le faisaient les villas de plaisance des romains.

S.d.S. : Mais comment est venu ce « désir de roman » ?

A.D. : J’ai connu cette villa en assistant à deux conférences d’Eric Prevost, l’archéologue qui a fait les fouilles. La première m’a invitée à aller visiter le site, à Plouhinec… Ce sont des ruines évidemment, des bases de murs, très peu de choses… Mais c’est un appel à l’imaginaire : à partir de ce rien, on peut tout imaginer, combler les blancs de l’histoire. Il y a cependant quelques éléments avérés : l’implantation des lieux, les destinations des pièces même si les historiens ne sont pas d’accord.

Vue aérienne de la villa - http://www.mane-vechen.info/galerie.php

S.d.S. : Le point de vue adopté pour la narration est assez surprenant…

A.D. : La première phrase m’est venue : « Je suis née du désir de mer ». Je me suis dit alors qu’au lieu de faire parler un personnage de la villa, j’allais faire parler la villa elle-même. Elle raconte donc comment elle a été bâtie, investie par ses propriétaires. La structure du roman s’est faite en partant de l’histoire de la villa. Par ailleurs, j’ai une passion pour la civilisation gréco-latine, depuis mes études de lettres classiques. Et je me suis dit que c’était un excellent moyen d’associer l’histoire locale, celle de la villa, et la grand Histoire, l’histoire romaine. Il se trouve qu’en faisant des recherches historiques, je me suis rendu compte que l’époque de la construction de la villa correspondait à la fin du règne de l’empereur Septime Sévère, dont les deux fils se battaient pour le pouvoir. J’ai donc imaginé le lien à partir de cela, puisque la propriétaire de la villa rejoindra les troupes de l’empereur dans la guerre contre les Pictes.

S.d.S. : Ce lien se fait aussi avec un leitmotiv dans le livre, la mention du garum…

A.D. : Le garum c’est la sauce de saumure, un peu comme le nuoc nahm indochinois : c’est du poisson macéré dans plusieurs ingrédients. L’une des hypothèses concernant le site de Mane Vechen, c’est que le propriétaire de la ville aurait été un riche marchant de garum : la villa était construite en bord de mer, et on a retrouvé des bassins de décantation de garum en face, du côté d’Etel. Le garum était un ingrédient très utilisé par les romains, ils en mettaient partout : sur les viandes, les poissons… J’en fait le fil conducteur parce que l’un des personnages principaux vient de Rome et est un peu sujette à moquerie parce qu’elle sentirait le garum. Pour le coup c’est totalement fictionnel : j’ai inventé l’histoire d’un personnage qui, pour relever le nom de sa famille ruinée, accepte d’épouser un jeune gallo-romain très riche. Elle accepte donc cet exil, elle se sacrifie pour sa famille.

« J’espère que la lettre et les volumes ne sentiront pas trop le garum »

S.d.S. : Votre roman alterne par ailleurs des passages très poétiques où la villa raconte son édification, sa conception, avec des chroniques historiques de la guerre contre les Calédoniens. Comment avez-vous pensé cette articulation lors de l’écriture ?

A.D. : J’ai deux passions, l’histoire et la littérature. C’était donc un excellent moyen de concilier les deux. Mon lieu d’origine littéraire, c’est la poésie, mais je me suis dit qu’en même temps la partie historique, avec la réalité de la guerre et sa violence, pouvait avoir son intérêt. Les romains sont des impérialistes, qui se forgent un empire par les armes, et ce qui m’a intéressé, c’est la question des limites de la civilisation. Nous arrivons au mur d’Hadrien, à la frontière de l’Ecosse actuelle. J’ai aussi rencontré le poète mythique Ossian, dont les poèmes, réécrits par un écrivain romantique, m’ont permis d’introduire cette question : qui sont les barbares, qui sont les civilisés ? En fait, les Calédoniens ne sont pas plus barbares que les Romains, bien qu’ils soient considérés comme tels.

Le mur d'Hadrien représente la frontière de l'Empire alors qu'il atteignait son apogée au IIe après J.-C. © Visit Britain

« Mais Rome serait en moi, perpétuant ici les usages, les moeurs et les mythes du grand empire »

S.d.S. : Le lien entre la civilisation et la barbarie se fait aussi par la mise en parallèle des deux poètes, Ossian pour les Pictes et Catulle pour les romains.. De même que le personnage le plus intéressant est une esclave élevée avec l’héroïne depuis son enfance et dont les liens avec les Calédoniens sont très ambigus… Les liens entre Rome, les barbares et la Bretagne se sont-ils imposés d’emblée lors de l’écriture ?

A.D. : Un écrivain peut dire parfois que les personnages le conduisent autant qu’ils les conduit, et sur ce roman ça a été le cas. Je suis parti de la villa, puis j’ai imaginé le lien avec Rome. Parce que cette villa est très romanisés, avec des décors très romains, voire orientaux, un décor très original, puisque dans les fouilles de la villa ont été trouvés un haut-relief d’Ariane et Bacchus. J’ai voulu montrer comme Rome avait fortement influencé la construction de la villa, et j’ai imaginé le lien entre Rome et les barbares, avec notamment ce personnage qui montre bien que les liens ne sont pas aussi tranchés. Il y a aussi des passerelles avec la mythologie : j’ai imaginé que l’abandon d’Ariane par Thésée était comparable à celui de mon héroïne, abandonnée par Rome… Cela m’est venu parce que durant les fouilles de la villa, on a retrouvé un haut-relief d’Ariane et Bacchus…

« Un jour, elle lit Catulle, son poème sur Ariane, l’Ariane au fil qui guide Thésée vers le monstre biforme. Grâce à elle, le héros avait retrouvé son chemin, grâce à elle, il avait vaincu la bête et reconnu sa route en suivant le fil dévidé. Revenant vers Athènes et pressé par Diane, jalouse de la beauté d’Ariane, Thésée abandonna sur l’île de Naxos la fille de Minos endormie… »

Moulage du Haut-Relief de Bacchus - http://www.mane-vechen.info/galerie.php

S.d.S. : D’ailleurs, l’amour que l’héroïne retrouve auprès de Geta, l’un des fils de l’empereur Septime Sévère, va s’exprimer par un aspect charnel et en même temps un aspect abstrait autour des poésies de Catulle qu’ils récitent ensemble…

A.D. : Je voulais représenter un monde romain à la fois sans pitié, barbare, un monde de la lutte pour le pouvoir, Geta étant un prince romain capable d’atrocités pour cela… Et en même temps une civilisation raffinée qui pouvait s’inspirer des poètes…

S.d.S. : On a clairement l’idée tout au long du livre que c’est le personnage de la femme qui est « créateur »…

A.D. : Oui, car c’est elle qui embellit la villa, qui lui donne vie… Historiquement ce n’est pas avéré, bien sûr, ce personnage est une création. J’aime beaucoup les personnages féminins, je trouve que souvent ils sont caricaturés dans la littérature, d’où l’idée de ce personnage de femme très volontaire, avec un mari plutôt mou.

« Elle parcourt en pensée mon avenir, les espoirs d’une villa fameuse, digne de sa famille et de son rang »

S.d.S. : Selon votre présentation sur le site de l’association Le Chant libre – Kan Digor dont vous êtes membre, vous écrivez de la poésie depuis toujours, et des romans depuis peu… Comment cette transition vers le romanesque s’est-elle produite ?

A.D. : La poésie, j’en écris depuis mon adolescence… On dit souvent d’ailleurs que les gens qui continuent à en écrire sont ceux qui ne sont pas sortis de l’adolescence, voire de l’enfance. Je pense que garder une part d’enfance en soi c’est un moyen de garder la part créatrice, parce que les « adultes » sont trop sérieux. J’ai toujours continué à écrire de la poésie, mais l’écriture romanesque s’est présentée tardivement. J’ai commencé par écrire des nouvelles poétiques, des récits très marqué par la poésie. Mais cela m’a trempé la plume dans le récit. Et j’ai eu l’occasion d’avoir entre les mains un recueil de lettres du grand-père d’un de mes amis, envoyés pendant la guerre de 14-18 depuis les tranchées. Cela m’a donné l’idée de mon premier roman, La Terre à personne. Je ne savais pas du tout ce que ça allait donner… Ces lettres envoyées à sa famille m’ont permis d’imaginer la trame de base du roman, mais j’y ai inséré beaucoup de « parenthèses » qui évoquent d’autres personnages que ce soldat. Mon deuxième roman retrouve la poésie puisque c’était une biographie romancée du poète René-Guy Cadou. Et pour le troisième, Mane Vechen donc, c’est vraiment le sujet qui s’est imposé à moi, avec ce défi d’inventer une histoire à une villa qui n’en avait pas.

S.d.S. : On remarque que pour vos trois romans, les trois sujets ont à chaque fois une base historique contraignante et précise. Est-ce indispensable ?

A.D. : C’est pas qu’un défi : mes livres permettent de lier l’Histoire et la littérature, et c’est ça qui m’intéresse. J’ai du mal à écrire sur des choses fantastiques, merveilleuse, en dehors du réel… Il me faut un cadre historique réel à partir duquel je peux développer un récit fictif. J’essaie d’écrire dans les blancs de l’Histoire… Ce ne sont pas des romans historiques, ce sont des romans autour de l’Histoire. Ce qui m’intéresse, ce n’est pas l’histoire froide des statistiques et des populations, mais l’histoire des gens. Pas celle des personnages célèbres, mais de ceux qui ont fait l’Histoire au niveau du peuple.

Entretien réalisé par David Roué

A voir :

le site de la villa : http://www.mane-vechen.info

le site d’André Daviaud : http://andredaviaud.free.fr/

le site des éditions Les Perséides : http://lesperseides.free.fr/

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Besoin d’une thérapie ?

Qui a peur du côté « psy » et monologue égocentrique interminable sera rassuré :

il ne s’agit pas de vous faire vous questionner sur vos propres tares. La Compagnie Les 7 doigts de la main (en référence à ses 7 fondateurs) remet en cause les déséquilibres de tout être humain. Que vous le vouliez ou non, vous trouverez sur scène quelque chose qui vous ressemblera. Grâce à la dizaine d’artistes présente sur le plateau, Shana Carroll, responsable de la mise en scène, du scénario et de la chorégraphie, dresse un éventail d’autant de troubles du psyché humain. Nous avons un schizophrène, un maniaco-dépressif, un paranoïaque, une agoraphobe, une femme présentant de graves troubles du sommeil, un homme aux multiples personnalités, un hypocondriaque, une femme agressive, un amnésique, un homme dominé par les T.O.C., et enfin un jeune complètement assujetti à l’addiction. A chacun sa tare !

Cela permet une mise en scène des plus étudiées ! Quoi de mieux en effet que le bureau d’un psy pour installer le décor et « l’intrigue » ? Peut être la salle d’attente de ce même bureau… Lumières aseptisées grâce à un néon attaché à un trapèze, petite musique d’ambiance et on y est ! La mise en scène nous conduit de cette institution psychologique à un parc, en passant par les souvenirs d’un patient, une maison ; en somme, des lieux connus dans lesquels la quotidienneté peut entretenir toutes ces manies et perversions. Cela nous montre nos fragilités, nos incohérences, leur permanence dans nos vies. Attention, cela ne veut pas dire que les artistes n’exploitent sous nos yeux que nos côtés les plus sombres ! Ils savent, avec brio, les tourner en dérision et nous les rendre belles, accessibles, pour nous permettre de mieux les surmonter !

Un cirque à échelle humaine

Comment mieux les surmonter qu’en les transposant directement sur scène par le médium des arts du cirque ? A chaque déséquilibre psychologique son déséquilibre physique et artistique ! Chaque trouble trouve son tour, chaque folie trouve son équivalent dans un numéro, ce qui permet au cirque de se faire accessible à un public qui peut être néophyte. De plus, cela nous permet de vraiment nous arrêter sur chaque discipline et d’observer les performances des artistes. Le spectacle est en fait composé de scénettes, que vient rythmer une sélection de musiques. Si le spectacle commence par un superbe numéro de trapèze fixe sur une musique de Java, plutôt déprimante, elle devient rapidement très rythmée et enjouée, notamment grâce à des morceaux de Caravan Palace.

Le rythme évolue bien sûr au fur et à mesure du show. « Une musique de contents » pour la présentation du groupe et leurs interactions (physiques notamment), sur le mode des réunions des anonymes. Une musique de manège, pour le souvenir d’un anniversaire d’un des membres du groupe. Voilà que ça le rend nostalgique : une bonne occasion d’écouter Robert Le Magnifique alors que l’artiste s’adonne à un sublime numéro de jonglage… Puis c’est le retour à la réalité, au tourbillon de phobies et de complexes en tout genre. On est dans la rue, dans une maison, sur un ring, etc.

Quelques prestations tirent vraiment leur épingle du jeu : les numéros d’équilibristes par exemple, que valorise le décor aux lumières tamisées du bar, ainsi que les masques blancs et neutres style « Commedia dell’Arte ». Le jonglage solo, nous l’avons vu, mais aussi la jonglerie de groupe, là encore rehaussée par le système de niveaux multiples que permet le décor d’une maison, les marches, etc. Nous avons les habituelles pirouettes, « main à main » et « planche sautoir », toujours impressionnants, de même que le mât chinois, à deux, orienté pour sa part sur le thème du sommeil. D’autres font office d’introduction au cirque sans être pour autant vraiment éblouissants. Les numéros de corde lisse, de trapèze ballant ou encore de roue allemande auraient mérité d’être plus poussés.

Nous tenons néanmoins à saluer la mise en scène, présente (les spectacles de nouveau cirque ne font pas toujours preuve d’une scénographie relativement irréprochable), réfléchie, remarquable, humoristique et cohérente, qui fait qu’on ne s’ennuie pas un seul instant sur les 2h10 du spectacle, et qu’on en redemande. Aussi populaire, accessible, entrainant et simple qu’il soit, Psy réussit son tour en envoûtant la quasi totalité du public, qui se lève et l’acclame comme on le voit rarement au théâtre ou même au cirque.

Par Naïg Vaineau

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Coppola ? Who Cares …

Dès les premières images, nous sommes plongés, non pas dans un autre univers, mais dans un univers un peu autre : image au grain méchamment numérique mais curieusement glauque, voix off grandiloquente mais envoutante, mise à plat des cartes brutale. Nous sommes, derrière les apparences de normalité crasse, dans une ville maudite dominé par un beffroi inquiétant (sept horloges indiquant sept heures différentes) et par la peur d’un groupe d’adolescents sataniques vivant de l’autre côté de la rivière.

Tout est prêt pour l’arrivée de Hall Baltimore, un écrivain sur le déclin, Stephen King du pauvre et de la sorcellerie. Une bonne route pour une séance de dédicace minable, durant laquelle le shérif du coin, sacrément allumé, le rencarde sur une sombre histoire de meurtre au pieu dans le cœur, visite de la morgue à l’appui.

« Nevermore »

Intrigué, plus d’ailleurs par la mention de la présence de feu Edgar Allan Poe dans la ville, a long time ago, que par les délires du shérif, Hall décide de passer la nuit dans un motel du coin. Et, de manière tout à fait naturelle, il sort dans la nuit, littéralement : le premier basculement onirique du film se fait sans aucune transition, très naturellement, à la faveur des ténèbres pourrait-on dire. Hall en fait nous embarque dans une virée en simili-noir et blanc, pleine de taches de couleurs et de reflets brumeux/luminescents/chichiteux ; et c’est le moment d’une première rencontre étrange, celle d’une gamine maquillée à outrance, des bagues aux dents…

Sans raconter l’ensemble du film, sachez que vous aurez droit à des visions traumatisantes d’enfantômes ; à des apparitions presque hors-sujet de la pseudo secte satanigothique ; mais aussi à Edgar Poe himself qui accompagne Hall Baltimore dans ses visions nocturnes, tel le Virgile de la Divine Comédie ; et surtout à un humour tantôt glaçant, la prestation décalée de Bruce Dern en shérif y étant pour beaucoup, tantôt hilarant, lorsque Baltimore s’essaie à écrire le début de son roman, entre volutes de whisky et de brume sur un lac… Un Hall Baltimore excellemment interprété par Val Kilmer, revenu de tout avec un talent intact, et qui nous fait presque penser à la gueule bouffie d’un Mickey Rourke.

Leitmotivs et pistes abandonnées

Un sacré bordel ? On peut le dire, le réalisateur nous offrant un ensemble de pistes narratives qui pour la plupart n’aboutissent pas. Le beffroi de la ville ainsi ne livrera pas tous ses secrets, tout comme ce rassemblement d’adolescents gothique qui effraie tant les habitants de la ville, tout comme… Beaucoup d’éléments finalement reste en suspens, jusqu’à une conclusion très brutale, mais finalement parfaitement adaptée au ride onirique que l’on vient de parcourir.

Mais le passage le plus important du film, c’est celui-là même où Hall et Poe se retrouvent à discuter de la création poétique, et que le réalisateur nous livre quelques clés de lecture : les leitmotivs, comme celui du beffroi, ne sont pas là pour servir d’arc narratif, mais simplement de rappel poétique ; la figure de la jeune fille aimée sous-tend toute la construction du poème et du film ; la mort et l’amour s’incarnent dans une même figure… Considérations qui pourraient paraître hors sujet/prétentieuses/trop explicatives (rayer la mention inutile) mais qui constituent presque le cœur du film.

Parce qu’on peut gloser indéfiniment sur les carences du film ou, à l’inverse, louer la démarche de Coppola qui s’arroge le droit de faire du cinéma en dehors de tout cadre hollywoodien avec une totale liberté de mouvement (qui contraste d’ailleurs avec la rigidité de la plupart de ses cadres dans Twixt). Mais ce serait passer à côté de ce drôle de petit film, qui s’avère en fait une sorte de variation B et décomplexée de l’Antre de la folie de Carpenter. Soit, les affres d’un écrivain paumé entre réel et imaginaire, plongé dans un univers inquiétant où le spectateur finit par se perdre dans les niveaux de lecture du film.

Quatre niveaux, et un ailleurs

Car le dénivellement n’est pas systématique, et chaque plan nous interroge sur l’endroit où nous nous situons :

• Dans la réalité d’une petite ville déprimante ?
• Dans l’histoire délirante racontée par un shérif inquiétant ?
• Dans les rêves créateur d’un écrivain en manque d’inspiration ?
• Dans le roman écrit par ce même écrivain ?

Twixt nous balade un peu, et entremêle tout ça dans un joyeux bordel narratif qui pourrait en agacer certains.

Alors, certes, nous sommes dans un premier degré qui confine parfois au ridicule ; certes, la mise en scène joue aux montagnes russes, entre moments de grâce infinie et plans presque laids ; mais en évitant le piège du second degré, en croyant infiniment à sa réflexion sur le processus de création, en s’autorisant des plans d’une naïveté et d’une poésie digne du cinéma muet comme on pensait que seul Guy Maddin pouvait en oser (des effets de transparence délicieusement kitsch pendant une course à moto, la « projection onirique» sur les eaux de la rivière, la lune au visage de Poe le temps d’une transition…), Twixt nous offre un très beau moment de cinéma, aussi touchant par ses passages à vides que par ses accès de sublime.

Par David Roué

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La naissance d’un projet original.

Alors que M. Phelippeau cherchait dans un bled de la banlieue de Bordeaux un prêtre, pour participer à son projet photographique « Bi portrait », il rencontre Jean-Yves. De là naissent plusieurs entretiens, autour de la photographie d’abord, puis de la religion. Une véritable connivence se crée entre les deux. Athée, le chorégraphe va finalement vouloir représenter sous forme de danse le lien à la religion, à son symbolisme, et c’est ainsi que le théorique s’est trouvé mêlé à la pratique. C’est ainsi que le spectacle a pris une forme autant pratique, physique, que théorique, spirituelle. Il s’agissait en fait de se positionner dans un rapport à la représentation, et de faire parler les corps sur un plateau de danse.

Un duo pas comme les autres.

Premières images, premières interrogations : une vidéo est projetée, nous montrant le prêtre de dos, dans de nombreux endroits, seul ou accompagné (de gens qui ne sont pas de dos). Voilà presqu’une demi-heure qu’il en est ainsi. Certains soupirent, d’autres sont comme extasiés. C’est quand même long 3O minutes. Puis, sur scène, en tee-shirt jaune et pantalon, Jean-Yves et Mickaël nous apparaissent d’abord de dos, avant de se mettre en position allongée, l’un à côté de l’autre, puis l’un sur l’autre. C’est très lent, il y a peu de mouvements, peu de contacts d’abord. Avec les corps qui se touchent, se sont les langues qui se délient, pour nous offrir des bribes de conversations qu’ils ont eues ensemble sur le projet, sur la façon qu’ils ont d’aborder leur vie, leur activité, de prêtre ou de danseur. Ils parlent, en gesticulant, de ce qu’ils font, et des idées auxquelles tout cela les mène. Ils se posent des questions, cherchent à comprendre l’autre. Les mouvements s’accélèrent et ils se lancent des défis, des défis de représentation : « montre moi le partage », « montre moi l’espace », « la croissance d’une graine », « un miracle ». Ils se lancent comme une balle fictive qui va de la danse à l’imaginaire religieux, en passant par une aube posée par terre puis dépliée, des jeux musicaux et des petites acrobaties en binôme. Le binôme, le duo, voilà la clef de cette chorégraphie. Dans la manière qu’ils ont de s’aborder et de se toucher, on croirait presque voir un couple.

Un duo pour déranger, faire réfléchir, parler d’amour ou plutôt, montrer l’amour, l’intimité.

Sortie de Secours a rencontré pour vous ce couple improbable :

S.d.S : Votre duo semble bien fonctionner. C’est à se demander comment vous abordez cette chorégraphie sur scène, chorégraphie dont l’intimité est flagrante. Pourriez-vous concevoir cette chorégraphie avec quelqu’un d’autre que Jean-Yves ?

M.P. : Nous nous connaissons depuis quatre ans maintenant, et avons environ 30 à 40 dates de programmées. La chorégraphie s’est créée au fur et à mesure, c’est venu comme ça, au cours de discussions, de recherches, d’échanges entre nous. Mais elle s’est faite à partir de nous, de nos deux parcours particuliers. A ce titre, la reprise de rôle nous paraît impossible. Ce travail s’est fait autour d’une rencontre singulière ; il est basé sur nos deux visions spécifiques, sur nos façons de faire. Il n’y a pas que le travail du chorégraphe ; il y a également toute une mise en scène axée sur Jean-Yves comme le « showman », à l’image de ce qu’il est dans l’exercice de sa fonction de prêtre. Jean-Yves était le plus « décalé » de tous les profils que j’ai côtoyés pour le projet photographique Bi Portrait. Bi portrait Jean-Yves n’a par conséquent aucun sens sans Jean-Yves.

S.d.S : Avez-vous eu des retours au sein de votre paroisse ? Quelles ont été les réactions face à un tel projet ?

J.-Y. R. : Les retours sont très variés ; ils s’inscrivent dans une certaine gradualité et se sont exprimés avec des forces différentes. Il y a eu les paroissiens très enthousiasmés, et puis ceux qui ont été outrés. Pour le reste (la hiérarchie), c’était la politique de l’autruche.

S.d.S : Comment passe-t-on de la position du prêtre qui fait face à ses paroissiens à une telle proximité avec un chorégraphe ? N’est-il pas par ailleurs difficile en tant que prêtre, de participer à une chorégraphie dont le principe suit, selon les mots de M. Phelippeau, celui d’une simple érection ?

J.-Y. R. : Il faut dépasser le stade auquel on est. C’est finalement la question du corps. Tout le monde a un rapport sexué au corps. Je ne suis pas que prêtre dans la vie, je ne me considère pas seulement ainsi, je suis également un homme, un homme qui peut tomber amoureux. Ce n’est pas parce que nous n’y avons pas le droit que nous ne tombons pas amoureux, en tant que prêtres, ou que nous n’avons pas de rapport au sexe. Il y a trop de verrous. Par ce projet, j’ai cherché à les dépasser.

Par Naïg Vaineau

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Comme ces douces mélodies ou ces parfums entêtants qui laissent une empreinte floue, indéfinissable et pourtant instantanément identifiables derrière eux, ces livres restent en mémoire longtemps après avoir été refermés.

Zoyâ Pirzâd fait partie de ces rares auteurs magiciens qui savent raconter des histoires envoûtantes que l’on devrait lire avec autant de délicatesse qu’elle met à les écrire.

J’aime penser à ses romans comme à des baklavas aux multiples couches fondantes et sucrées, parfumées à la fleur d’oranger et à la rose, que l’on déguste avec un thé noir brûlant au fond d’un fauteuil confortable…

Femme, écrivain, iranienne, fière de sa langue et de sa culture, Zoyâ Pirzâd a tout pour intriguer. Venant d’un pays où l’archaïsme actuel de la condition des femmes est omniprésent, elle dément nos préjugés par sa grande notoriété en Iran, où elle a été récompensée par le prestigieux prix national Hooshang Golshiri.

L’Iran… Pays lointain, effrayant et qui pourtant intrigue et fascine par sa complexité et sa faculté à nous être absolument Autre. À la croisée du monde arabe et de l’Asie, l’ancienne Perse a toujours été un pivot géopolitique et culturel, une porte vers le grand Orient. Sa langue chantante, le farsi, a donné naissance à une histoire littéraire remarquablement riche dans laquelle s’inscrit Zoyâ Pirzâd. Entre ses lignes, elle nous offre l’odorant souvenir de l’Iran éternel, celui des ghazals mystiques de Hafez et des quatrains de Omar Khayyam…

Ses romans et nouvelles sont à découvrir chez les excellentes éditions Zulma, dont les couvertures colorées donne une irrésistible envie de tout arrêter pour lire… Je vous conseille tout particulièrement le recueil de nouvelles Le Goût âpre des kakis (Prix Courrier International du meilleur livre étranger 2009) et le roman C’est moi qui éteins les lumières. En livre de poche pour les budgets plus resserrés, un second recueil de nouvelles est disponible : Comme tous les après-midi

Chacun des livres de Zoyâ Pirzâd est semblable à un coffret de bois précieux, plein de petits souvenirs, d’objets en apparence insignifiants mais fort d’une charge émotionnelle dont on s’emplirait en l’ouvrant et en humant son contenu. Son écriture brosse par petites touches lumineuses le portraits de femmes au cœur de leur quotidien et de leur solitude. Car qu’elles soient mères au foyer ou femmes actives, les héroïnes de Zoyâ Pirzâd sont toujours seules face à ce que la société et leur famille attendent d’elles.

Dans des vies souvent prises dans l’engrenage fatidique de la routine, l’auteur peint avec un talent précis et touchant des petits riens qui illuminent la journée de ces femmes. Le sourire d’un enfant, la visite d’une voisine, l’attention délicate d’un mari ou d’un amant, la lecture d’un poème aimé, le rêve toujours repoussé d’un voyage, l’évocation tendre d’un souvenir : rien n’est réellement dit mais tout est là. La puissance des histoires que nous conte Zoyâ Pirzâd tient dans l’évocation des émotions, et dans la force d’une langue belle et simple.

Zoyâ Pirzâd, c’est l’Iran comme une brassée de fleurs, l’éternité dans le renouveau des saisons, l’éternel féminin comme force et douceur…

Par Lou DeV.

Lien à lire : http://www.zulma.fr/auteur-zoya-pirzad-300.html

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